O Eixo e a Roda: Revista de Literatura Brasileira
A revista O Eixo e a Roda tem como objetivo fomentar a produção teórica, crítica e ensaística na área de Literatura Brasileira, dando a oportunidade para que pesquisadores do Brasil e do exterior divulguem suas pesquisas e contribuam para o debate qualificado nesta área de estudos. A revista não cobra qualquer taxa para submissão ou publicação de trabalhos. Qualis A4 (triênio 2021-2024).
Nos contos de Tutameia (1967), de Guimarães Rosa, o contraste entre campo e cidade mostra-se a contrapelo, na centralização das tramas em vilarejos longínquos, onde, mesmo quando vigoram as instituições burguesas repressivas, o que está em causa parecem ser as leis primitivas da justiça, da solidariedade, bem como a opção pela vida livre e a recusa à exploração permanente. Assim, pela motivação temática e pelo ângulo dos narradores, configura-se a imagem de uma comunidade endógena, que, entretanto, mostra-se capaz apenas de projetar uma vida individualizada nos laços de um clã familiar ou de um pequeno território apartado. O anseio de apaziguamento e de continuidade da vida não conduz necessariamente ao riso cômico, mas tende simbolicamente à boa resolução diante de um mundo catastrófico. A obra supõe, portanto, que ainda há uma estória a contar a partir da situação dos sertanejos em um fim de mundo, mas essa estória é introduzida por um discurso que afasta o leitor citadino. Este artigo descreve e busca apreender a estruturação desse espaço ficcional, considerando a sua função na figuração de um país oculto, em que o progresso não está em pauta nem sequer é desejado.
Um corpo em ruínas ou o estigma da prostituição, em O voo da guará vermelha, de Maria Valéria Rezende
Este artigo analisa a ruína de um corpo feminino estigmatizado pelas marcas da prostituição, a partir da personagem Irene, do romance O voo da guará vermelha (2005), de Maria Valéria Rezende. O estudo investiga de que modo as imposições sociais e as violências simbólicas incididas sobre esse corpo marginalizado são interiorizadas pela personagem, resultando na supressão de sua subjetividade e, especialmente, de sua dimensão afetiva. Para tanto, esta pesquisa adota como método a análise crítico-interpretativa da narrativa literária, fundamentada em aportes teóricos dos estudos de gênero, do corpo e do estigma, com base em autores como Erving Goffman (1988), Elódia Xavier (2007), Simone de Beauvoir (2009), Judith Butler (2017; 2019) e Pierre Bourdieu (2017). A análise, então, evidencia que a exploração sexual e os discursos normativos sobre o corpo feminino operam como mecanismos de controle que produzem apagamentos simbólicos e afetivos na constituição da personagem. Conclui-se, portanto, que a obra de Maria Valéria Rezende tensiona tais discursos ao expor os efeitos da violência estrutural sobre o corpo feminino, contribuindo para os estudos críticos acerca da representação da mulher na literatura contemporânea escrita por mulheres.
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A clivagem estrutural de “Lucinda – a mucama”, de Joaquim Manuel de Macedo
O artigo faz um estudo de “Lucinda”, última das três narrativas coligidas por Joaquim Manuel de Macedo em As vítimas-algozes: quadros da escravidão, publicado em 1869. O argumento central é que, de modo a figurar a ameaça que a manutenção do sistema escravocrata representa para as famílias senhoriais, Macedo recategoriza os elementos típicos do romance sentimental urbano. O resultado é uma estrutura clivada entre a matéria histórica formalizada pelo romance sentimental urbano (a saber, a consolidação de uma hegemonia conservadora após a década de 1840) e as novas tensões sociais criadas pela urgência da questão servil.
Os vegetais de “Onde estivestes de noite”, de Clarice Lispector
O presente artigo visa refletir sobre os vegetais no conto “Onde estivestes de noite”, de Clarice Lispector. Publicado no livro de mesmo título, em 1974, a narrativa dissemina uma imaginação botânica emaranhada na escuridão e na parte maldita de seres que se misturam e propagam o erotismo. Diante das representações botânicas, lemos críticas às normas sociais, aprisionadoras do corpo e inibidoras das experiências livres e individuais, depreendendo, neste sentido, a política da ficção clariciana.
Copyright (c) 2026 Fabrício Lemos da Costa
Este trabalho investiga as dimensões mnemônicas e arquivais do romance Sempreviva, de Antonio Callado. Com base na estética bakhtiniana e na teoria do arquivo derridiana, enfoca-se a obra em sua historicidade aberta, a partir da sua materialidade. Quatro etapas analíticas são realizadas no decorrer do estudo. Primeiro, recompõe-se as coordenadas espaço-temporais do romance e as problemáticas centrais ao desenvolvimento da pesquisa. Em seguida, trabalha-se os desníveis entre extra e intradiegese e entre memória e arquivo. Na quarta seção, confere-se à narrativa uma forma sintética, a partir dos agentes da rememoração e do arquivamento, as três-seis personagens fraturadas. Na última etapa, propõe-se uma síntese conclusiva das dinâmicas conservação/abertura, arquivo/memória e obra/arquivo, conforme os atravessamentos do romance. Ao final, alcança-se o entendimento de que a heterogeneidade anarquívica é preservada, mas abre-se para um porvir consumador, do qual se espera uma resposta ou uma nova (con)formação apaziguadora do conflito convulsionante que é o estado de memória e arquivo de um país inacabado e em autodestruição.
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Copyright (c) 2026 Carolina Serra Azul, Gustavo Silveira Ribeiro
Implicado no gesto de questionamento de certos fundamentos dos estudos literários hegemônicos, o artigo coloca em relação as obras Òwe/Provérbios (2007), de Mãe Stella de Oxóssi, e Provérbios (1964), de Carolina Maria de Jesus. Com o propósito de complicar as dicotomias entre oralidade e escrita e entre saber e experiência, busca compreender e evidenciar os modos como a forma poética provérbio tensiona e sintetiza feições de natureza filosófica e pedagógica, dando a ver estratégias de transcriação e atualização da plêiade de saberes africanos em contexto diaspórico. Perscruta–se, assim, a hipótese de que, em face ao movimentos históricos de dispersão e estilhaçamento das subjetividades dos sujeitos negros subalternizados no globo, o provérbio, tal como empregado pelas autoras, se constitui como enunciado estético, ético e político que não apenas recupera experiências e reminiscências negras do passado, como também resguarda em si, de modo cifrado, o potencial de reorientação de vidas dispersas e, quiçá, de refazimento de comunidades para além da pátria.
Copyright (c) 2026 Fabiana Carneiro da Silva
Tortura e desaparecimento forçado no conto “Dôia na janela”, de Roberto Drummond
Este artigo analisa a representação da tortura e do desaparecimento forçado no conto “Dôia na janela”, de Roberto Drummond. Publicado em 1975, em A morte de D. J. em Paris, livro de estréia do autor, o conto tem sua história principal tradicionamente interpretada como um surto alucinatório vivido pela personagem protagonista, confinada em uma clínica psiquiátrica. A partir de uma abordagem voltada para o texto, em parte herdada do formalismo russo e do new criticism, e da consideração do trabalho com a forma literária modulado por figuras de linguagem, procura-se mostrar, inicialmente, que o conto é constituído de dois planos fabulares que instauram ambiguidade na representação dos dois tipos de crime. Isso ocorre porque seus dois planos fabulares articulam-se num jogo de figura e fundo afim às artes visuais e a determinados recursos da linguagem cinematográfica (zoom in, zoom out, close up). Mediante tais procedimentos, o conto desloca para o leitor a tarefa de assumir uma posição interpretativa em relação à possível veracidade dos crimes nele sugeridos. Essa posição depende, nesse momento da interpretação, não só da contextualização histórica das referências e alusões nele presentes – o contexto de repressão política e de terrorismo de Estado da ditadura civil-militar da década de 1970 no Brasil –, mas da consideração de que a história e a sociedade são constitutivas da forma literária, não só como tema, mas como uma materialidade outra, uma vez que são parte integrante, e não meros fatores externos, da forma literária e dos efeitos de sentido do texto.
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O presente trabalho busca, a partir do conto “Lúcia McCartney”, publicado por Rubem Fonseca em 1968, dar conta de contradições presentes na vida cultural brasileira durante o Regime Militar. Partindo da perspectiva da personagem da narrativa, uma jovem prostituta, é realizada uma análise do modo como, na poética do contista brasileiro, a representação de figuras marginais permite lançar um olhar particular sobre as transformações vivenciadas na sociedade de então. Para auxiliar na reflexão, são mobilizados ensaios do campo da história que dão conta do período compreendido pela ditadura, com ênfase sobre a influência estrangeira e os novos veículos de mídia, bem como, no âmbito dos estudos literários, a perspectiva de Georg Lukács, no que diz respeito à formalização do real na construção do objeto literário.
Victor Heringer e a invenção de um bairro
Este artigo se constrói sobre a tese na qual o bairro ficcional apresentado pelo romance O amor dos homens avulsos, de Victor Heringer, é fruto da invenção de seu narrador-escritor para dar lugar aos afetos centrados numa ausência que não se assenta na materialidade do presente, apenas. Para isso, é primeiro analisada a estrutura narrativa do romance, com destaque para a influência da ação do retorno que faz o narrador ao bairro de seu passado, trinta anos após deixá-lo. Através do desarranjo promovido pelo regresso entre os lugares da percepção e da memória, virtualmente sobrepostos, é defendido que o narrador é movido a criar, por meio da escrita, um lugar outro capaz de acolher os afetos que recaem sobre a perda de seu primeiro amor, quem então lhe apresentou o bairro de sua origem. Num segundo momento, seguindo a ideia de uma legibilidade do espaço, explorada por Renato Cordeiro Gomes através de Barthes e Raquel Rolnik, a escrita é associada ao conceito de lugar e compreendida, ela própria, como ação de retorno aos demais lugares do passado, alimentando a aposta da invenção do bairro fictício estar atribuída ao narrador do romance como uma ação consciente de sua escrita. O bairro adquire, dessa maneira, uma dimensão cenográfica. Adotando o pensamento de Nelson Brissac, a partir de Benjamin e em torno dos simulacros que auxiliam a experiência urbana, a escrita é por fim associada à produção de cenários precisos, a serviço da invenção do bairro apresentado pelo romance.
Copyright (c) 2026 Brunno Abrahão Soares dos Santos
O artigo recupera e analisa os primeiros passos de Rubem Braga na imprensa capixaba, de modo a trazer luz nova a um material quase inteiramente desconhecido pela crítica. Para tanto, parte de uma avaliação de conjunto dos mais de 150 artigos por ele publicados nos periódicos Correio do Sul e Vida Capichaba entre 1928 e 1933. A leitura proposta procura situar as posições e estratégias discursivas experimentadas pelo jovem cronista no contexto da imprensa de província da virada para a década de 1930. Ao fazê-lo, sugere uma caracterização dos índices estilísticos da primeira prosa do autor, que constitui momento de relevo na formação da crônica moderna brasileira.
A melancolia como inflexão estética em Clarice Lispector
Este artigo analisa os efeitos da melancolia como forma de lucidez, potencializados pelas experimentações estéticas em Água viva (1973) e nas correspondências de Clarice Lispector. Enquanto no livro a autora explora a plasticidade da linguagem em diálogo com o gesto pictórico, em suas cartas – endereçadas a Olga Borelli, Lúcio Cardoso e Fernando Sabino – ela articula a “densidade da linguagem” como resistência a um mal-estar existencial e social. Percebe-se que a “experiência negativa” mobiliza um pensar aguçado nas narrativas claricianas, onde a melancolia atua como impulsionadora de indagações ontológicas. Conclui-se que as obras estudadas operam uma estética que integra dor, angústia e sofrimento por meio da especulação reflexiva de seus narradores, transmutando o afeto em potência crítica.
Copyright (c) 2026 Thaynah Betini, Gaspar Leal Paz
O objetivo deste texto é analisar a narrativa As Joias da Coroa (1882), de Raul Pompeia, de modo a compreender a representação do imperador Pedro II como vilão nesse romance. A análise utilizará como base a narrativa de Pompeia, publicada pela primeira vez em folhetim no periódico Gazeta de Notícias entre os meses de março e maio de 1882, bem como as notícias sobre um roubo de joias da Família Imperial que foram veiculadas no periódico nesse mesmo período. Ao longo do artigo, três aspectos principais serão considerados: o contexto histórico em que a obra foi publicada, os acontecimentos que envolveram o roubo real das joias da coroa e a maneira como isso foi mobilizado pelo autor para compor a narrativa. No final, conclui-se que Raul Pompeia uniu, nesse romance, a imagem do imperador veiculada em discursos republicanos sobre Pedro II, as polêmicas envolvendo o roubo das joias e algumas características do romance-folhetim para compor uma narrativa em que as características negativas associadas ao império e à figura do imperador fossem criticadas e expostas aos leitores.
Copyright (c) 2026 Larissa de Assumpção
A noção de “povo”, por mais abstrata que seja, funcionou até certa altura como ideia reguladora das mudanças virtualmente presentes na arte de vanguarda brasileira. O presente ensaio almeja demonstrar como a última prosa de Cacaso traça a falência dessa aposta, ou pelo menos da relação dos intelectuais com tal entidade, e, por conseguinte, um afastamento da noção de nacional popular. Para tanto utilizamos a leitura imanente, que tenta captar os princípios mediadores entre realidade e ficção. Como resultado, encontramos a desativação do conceito de malandragem como potência utópica e a crise tanto do polo da intelectualidade quanto do popular.
Este artigo analisa o conto “Ginecomastos”, de Amara Moira, à luz do regime farmacopornográfico formulado por Paul B. Preciado e da noção de necropolítica proposta por Achille Mbembe. Partindo da hipótese de que a disseminação da ginecomastia entre “respeitáveis pais de família” ficcionaliza uma crise da masculinidade hegemônica em contexto de circulação desigual de hormônios e de desejos, este estudo investiga de que modo a narrativa articula corpos masculinos normativos e corpos travestis intensamente hormonizados em uma mesma economia clandestina de sexo e apagamento. Do ponto de vista metodológico, desenvolve-se uma leitura crítico-interpretativa do conto, articulando análise textual e reflexão teórica no campo da literatura brasileira contemporânea. Argumenta-se que, embora a feminilização involuntária dos corpos masculinos desestabilize a aparência de solidez da masculinidade cisheterossexual normativa, a vulnerabilização estrutural de travestis permanece inalterada: enquanto os seios masculinos são administrados pela medicina e pelo mercado, os corpos transfemininos seguem submetidos à automedicação, à precariedade laboral, à mutilação em condições de risco e ao silenciamento institucional. Conclui-se que “Ginecomastos” torna visíveis, pela ficção, os modos assimétricos de distribuição de riscos, cuidados e possibilidades de vida, contribuindo para o debate sobre gênero, sexualidade e violência no sistema literário brasileiro atual.
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O dossiê que aqui apresentamos se constituiu a partir de uma chamada interessada nas complexidades próprias à figuração da coletividade na literatura brasileira moderna e contemporânea. Ao visar esse arco temporal que congrega e tensiona reciprocamente procedimentos artísticos do início do século XX ao início do XXI, o que convocava nosso interesse era a presença de diferentes modos de trabalhar com a matéria heterogênea do social, seja nas montagens e na heteroglossia do modernismo de 1922, seja nas formas geminadas e corais que, nos termos de Flora Süssekind, despontaram na literatura da Nova República.
Este artigo se propõe a apresentar um diálogo entre a narrativa Úrsula, de Maria Firmina dos Reis, e o livro L’amour du loup et autres remords [O amor do lobo e outras mordidas e remorsos], de Hélène Cixous, a partir da ideia elaborada por Cixous de um amor do lobo, um modo de amar não devorador e egoísta, mas altruísta e puro, quando o lobo, por amor, renuncia o seu instinto de devoração e se torna cativo do cordeiro – um amor que exige um sacrifício por parte do lobo, de sua violência natural, para poder alcançar o plano do amor emanado pela presença do cordeiro. Seguindo essa perspectiva cixousiana do amor do lobo, analisaremos como se constroem as relações amorosas que envolvem Úrsula, Tancredo e Fernando P., personagens que tangenciam o amor ora para o plano do sagrado ora para o plano da devastação, e que ora são vítimas ora são algozes do amor, do amor do lobo.
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Publicado em 2024, o romance O segredo das larvas, de Stefano Volp, narra a trajetória de Freya, uma jovem de 17 anos confinada em Absinto, colônia formada por pessoas da “cor da noite”. Ambientada no Brasil do ano 241 após o Breu — período de racionamento da energia elétrica e o subsequente colapso da chamada civilização moderna —, a obra insere-se na distopia crítica, provocando reflexões sobre estruturas de poder e dominação na sociedade contemporânea. Este ensaio analisa a configuração espacial no romance, destacando seu duplo papel: como estruturante das desigualdades socioeconômicas e como catalisador de estratégias de sobrevivência e de resistência. O espaço não é mero cenário, mas elemento articulador da produção de subjetividades, das relações de poder e das práticas de exclusão e de resistência. Além disso, o estudo aborda o protagonismo feminino e as questões raciais, evidenciando seu papel central nas dinâmicas de controle e nas formas de resistência desse universo distópico.
A peça Milagre Brasileiro, de Márcio Marciano, é analisada neste artigo a partir das suas encenações realizadas pelo Coletivo Alfenim e pelo projeto Quartas Dramáticas, com o intuito de refletir sobre os desafios da figuração do coletivo na dramaturgia contemporânea. Estruturada por meio da fragmentação narrativa, da colagem de vozes e de procedimentos brechtianos, a obra desestabiliza a centralidade do sujeito e propõe uma crítica contundente à história oficial da Ditadura Militar brasileira. A inserção da figura de Antígona, situada em um campo metateatral transformado em arena de memória, amplia a dimensão política da montagem ao tensionar as fronteiras entre o íntimo e o público. Dialogando com o “drama rapsódico”, conforme conceituado por Sarrazac, e com o “teatro desagradável” de Nelson Rodrigues, o texto teatral reafirma o teatro como espaço de proposição ética, política e estética. As encenações estão disponíveis na plataforma YouTube: a do Coletivo Alfenim corresponde a uma filmagem da encenação presencial; já a do Quartas Dramáticas foi concebida originalmente para o formato virtual, em 2022, como resposta às restrições impostas pelo contexto pandêmico. O objetivo do artigo é demonstrar que, em tempos de negacionismo e apagamento histórico, a dramaturgia contemporânea – tendo como foco Milagre Brasileiro – resiste como gesto estético de denúncia e reimaginação do coletivo.
Insólito e dandismo na ficção de João do Rio
A obra ficcional de João Paulo Emílio Cristóvão dos Santos Barreto (João do Rio, 1881-1921) circunscreve-se em um tempo histórico determinado: o Rio de Janeiro dos primeiros decênios do século 20. Ao eleger a cidade como topos de sua ficção, o jornalista e contista carioca, inspirado, em parte, nas leituras de Jean Lorrain (1855-1906) e Joris-Karl Huysmans (1848-1907), prioriza as sensações em detrimento do sentimento, desarticulando, desse modo, o primado da razão. É pela ingerência do anormal, nos limites da crueldade, que se introduz o insólito. O objetivo deste trabalho é examinar o insólito enquanto um elemento constitutivo da invenção de João do Rio. De modo extensivo e transversal, discute-se a concepção artística do dandismo em sua ficção. Como recurso analítico, utilizam-se contos extraídos das coletâneas Dentro da noite (1978) e A mulher e os espelhos (1995).
Este artigo investiga as formas de construção do coletivo feminino negro na obra Insubmissas lágrimas de mulheres, de Conceição Evaristo, a partir da articulação entre identidade e diferença. Tomando como ponto de partida a crítica da autora à representação histórica da mulher negra na literatura brasileira, marcada por um viés racista e sexista, analisa-se como Evaristo mobiliza um essencialismo estratégico para reconfigurar essas representações e afirmar uma coletividade feminina afrodescendente. A maternidade, a resistência e a memória compartilhada emergem como vetores fundamentais de uma experiência coletiva que, embora atravessada por desigualdades internas, não prescinde da solidariedade entre mulheres. Em diálogo com pensadoras como bell hooks e Audre Lorde, o artigo defende que, na obra de Evaristo, a diferença não é um entrave, mas o próprio fundamento da identidade coletiva. Nesse sentido, Insubmissas lágrimas oferece uma forma literária que tensiona o individual e o coletivo, convocando múltiplas vozes femininas negras que, ao recontarem suas histórias, criam um espaço político de enunciação e pertencimento. Assim, o texto contribui para o debate sobre os modos contemporâneos de figurar o coletivo na literatura brasileira, especialmente no que diz respeito às formas de subjetivação marcadas pela interseção entre gênero, raça e classe.
Dossiê: Formas do coletivo na literatura brasileira moderna e contemporânea
Este artigo se vincula à pesquisa de doutorado em andamento, a qual é centrada na investigação comparativa de dois romances de Antonio Callado: Quarup (1967) e Reflexos do Baile (1976). Apesar das diferenças entre ambos, sugere-se que eles fazem parte de um projeto ficcional integrado, cujo propósito é investigar em profundidade a realidade brasileira durante a vigência da ditadura civil-militar. Com base nessa perspectiva, também pretende-se identificar o modo como as vicissitudes sociais e políticas do período pós-golpe ressoam em cada narrativa, sedimentando literariamente não apenas temas, mas também aspectos estruturantes das formas romanescas em questão. Nesse percurso, evidencia-se que elementos da matéria histórica como o recrudescimento da repressão e da censura, a derrota da esquerda armada, o avanço da indústria cultural e o caráter contraditório da modernização conservadora brasileira tenham sugerido impasses narrativos que a escrita de Callado buscou encaminhar esteticamente.
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“Supondo que a história seja um trem de ferro”
O objetivo deste artigo é propor uma reflexão sobre a obra de Machado de Assis tendo em vista a forma como ele abordou o trem em suas obras, com especial atenção ao conto “Evolução” e a partir da análise de trechos de Quincas Borba, de Dom Casmurro, de Esaú e Jacó e de Memorial de Aires. A perspectiva aqui adotada é oriunda dos estudos midiáticos, sobretudo a partir da concepção mcluhiana de mídia – na qual é possível incluir o trem como tecnologia midiática – e das formulações de Wolfgang Schivelbusch (2014), que analisou como o trem e as estradas de ferro promoveram alterações no aparelho perceptivo humano ao criarem uma nova relação com o tempo e com o espaço. Essa crise da percepção – portanto, estética (aesthesis) – acarreta uma crise da experiência (Erfahrung), analisada por Walter Benjamin (2012) como sintoma da modernidade e cuja consequência é a crise da narração. Ou seja, o trem se torna um princípio formal na obra machadiana.
Copyright (c) 2026 Gustavo Ramos de Souza
O artigo analisa como Luiz Ruffato, em Eles eram muitos cavalos, encena a experiência urbana contemporânea por meio de uma estética da fragmentação e da coralidade. Adota como método a articulação de referenciais teóricos oriundos dos estudos literários, da arte contemporânea e da teoria estética, com destaque para os conceitos de restos do real (Garramuño, 2009, 2014), romance-instalação (Carvalho, 2005; Reiss, 2012), e a noção de contemporaneidade de Agamben (2009). A análise demonstra que a obra rompe com a linearidade narrativa e estrutura-se como uma instalação literária composta por múltiplos registros discursivos — vozes, documentos, cenas e ruídos — que tensionam os limites entre ficção e realidade. Evidencia que a coralidade, longe de propor harmonia, instaura um entrechoque constante de vozes dissonantes, que refletem a precarização, a invisibilidade e a violência social na cidade de São Paulo. Conclui que a fragmentação formal não é mero recurso estilístico, mas uma estratégia crítica que, ao encenar a escuridão do presente, conforme Agamben, expõe o colapso das formas tradicionais de representação, convertendo a literatura em espaço de resistência e denúncia das desigualdades urbanas.
FRANCA, Yasmin. Salmoura. Cotia, SP: Urutau, 2024.
Resenha do livro de poesia Salmoura, de Yasmin Franca, publicado em 2024.
Copyright (c) 2025 Pablo Vinícius Nunes Garcia
O trabalho propõe uma leitura da poesia de Orides Fontela, poeta brasileira do século XX. Busca investigar, em especial, as particularidades de sua escrita, marcada pela brevidade em enlace aos símbolos vinculados ao mito, ao misticismo, à filosofia e à religião. O texto debruça-se, para tanto, sobre a possibilidade de interpretação dos vocábulos, em extensão imagética, “arabesco” e “rosácea” no interior de sua poética. Tais termos, por um lado, concebe uma escrita enigmática – intrincada e fragmentada em sua forma e em seus significados, o que se atrela à noção de concisão – e, por outro, alude ao que é místico e misterioso, bem como atravessado por certo pensamento filosófico-religioso. No percurso que se pretende fazer, diferentes discursos são confrontados, a fim de se alcançar o núcleo de imantação do estudo: a contextualização e a discussão de poemas do livro Rosácea, de 1986, aqui integrado à Poesia completa da autora (2015). A propósito dos resultados da investigação, é oportuno afirmar que a escrita de Fontela obedece a um projeto poético praticamente inalterável, mantendo-a distante de determinada hipótese geracional forjada em seu entorno. Pode-se apontar, ademais, que a poeta se destaca particularmente por sua erudição, refletida em sua capacidade de unir elementos de tempos e culturas diversos com uma coerência quase incontornável na construção de seus poemas.
O presente número de O Eixo e a Roda apresenta, como é habitual, uma gama de artigos que abordam a literatura brasileira sob distintos vieses críticos, de modo que o leitor se encontra diante de um panorama daquilo que está sendo produzido nas universidades em diferentes partes do país.
Copyright (c) 2025 Carolina Serra Azul , Gustavo Silveira Ribeiro
Este artigo investiga a figura do golem no romance Pantokrator, de Ricardo Labuto Gondim, como um ícone das tensões vividas pela classe proletária no século XXI. A partir da análise de enunciados literários permeados pelo insólito, examina-se como a construção narrativa do golem traduz as complexidades e opressões enfrentadas pelas classes subalternas em um contexto global e tecnológico. O insólito literário, fundamentado nas reflexões de Irène Bessière e Remo Ceserani, é considerado aqui não como mero escapismo, mas como recurso que provoca efeitos de sentido, subverte convenções e permite explorar ambiguidades e dilemas éticos próprios da contemporaneidade marcada pela automação e pelo aumento das desigualdades. A análise focaliza a trajetória do protagonista golem, suas relações e reflexões, evidenciando como o romance aborda as fronteiras entre tecnologia, subjetividade e poder sob o capitalismo tardio. O estudo é apoiado por uma abordagem interdisciplinar, articulando ainda os conceitos psicanalíticos de Real, Simbólico e Imaginário de Jacques Lacan, que ajudam a compreender a presença do indizível e do traumático na experiência proletária ficcionalizada. Além disso, utiliza a categoria dos discursos constituintes de Dominique Maingueneau para analisar o papel da literatura na elaboração de sentidos e identidades sociais. Conclui-se que Pantokrator exemplifica como o insólito literário pode reelaborar questões políticas e culturais contemporâneas, fazendo do golem um espelho das angústias e desafios dos trabalhadores diante das mudanças tecnológicas e das estruturas de poder do século XXI.