DOI: 10.35699/2317-6377.2021.33956

eISSN 2317-6377

https://orcid.org/0000-0002-6743-970X

Final approval date: 17 jun 2021

interpretativa, e despertar algumas reflexões sobre o tema, sem a pretensão de apresentar respostas definitivas ou

conclusivas.

parts representing the Hasidic overground, respectively Vidui, Nigun and Simchas Torah. The second movement

became a widely known piece and incorporated into the repertoire of violinists. Bloch associates the nigun, interpreted

by the human voice, with the violin, putting the instrument in the place of the Cantor or Rabbi. The violin incorporates

the praying figure that characterizes the nigun, including gestures, and using music as a vehicle from materiality to

Gesto Musical e Transcendência em Nigun de Bloch

Ernest Bloch (1880-1959) foi um compositor suíço-americano com raízes familiares judaicas asquenazes.

Estudou violino com Eugène Ysaÿe (1858-1931), e posteriormente voltou-se para a composição, tendo sido

aluno de Iwan Knorr (1853-1916) e Émile Jaques-Dalcroze (1865-1950). Para além da música, Bloch tinha

interesses variados, como a fotografia. São inúmeros os negativos atribuídos ao compositor, em sua maioria

de paisagens e retratos, mas também situações cotidianas, fotografias de família e autorretratos.

Em 1923, Bloch compôs Baal Shem: Three Pictures of Chassidic Life

, música para violino e piano, inspirada

na tradição hassídica e dedicada a figura de Baal Shem Tov (Rabi Israel ben Eliezer, 1698 – 1760), fundador

do movimento místico denominado Hassidismo. A obra consiste em três andamentos, aos quais o

compositor identificou com imagens da vida hassídica: Vidui (Contrição), Nigun (Improvisação), e Simchas

(e exigem) essa liberdade ao intérprete.

O gesto musical e a “liberdade” interpretativa estão intrinsecamente relacionados nesta obra. Diante da

performance do jovem prodígio Yehudi Menuhin (1916-1999), Bloch manifestou que a mesma representava

a improvisação e o caráter interpretativo que ele imaginara ao compor Nigun. O gesto performático de

Menuhin acabou por ser associado à composição, sendo uma referência aos intérpretes por conferir a

sonoridade condizente ao texto e à imagem, na perceção do próprio compositor.

Assim, o Nigun concebido por Bloch possui células rítmicas repetitivas, com movimento acelerando, que

procuram favorecer a transcendência, ao estilo do hassídico nigun – à semelhança de um movimento espiral

crescente, que simboliza uma abertura da consciência e uma aproximação ao divino. Para além disso, pode-

se também traçar um paralelo entre o gesto musical e o shuckling, uma forma de balanço para frente e para

denominada, bem como ressaltando o papel do movimento e do improviso no caminho para o Devekut.

O Hassidismo é um movimento místico do judaísmo, originário do Leste Europeu, aproximadamente da

segunda metade do século XVIII. Baal Shem Tov é o fundador e expoente dessa corrente, que se espalhou

rapidamente pelos judeus da diáspora. São heranças do Hassidismo, algumas ideias sobre silêncio e música,

tais como: “Silence is better than words, but singing is better than silence"

, "There are castles in the upper

spheres which open only to song”

hassídico, atualmente, é o género musical denominado 'nigun', utilizado em diferentes contextos.

leste europeu. Além disso, essas sílabas possuem um significado espiritual, pois carregam em si as letras do

nome de Deus (Rubin 2005).

Os nigunin (plural de 'nigun') servem como um prelúdio às orações ou preces, podendo ser empregues

também como conclusão – e, eventualmente, algumas reuniões devocionais são inteiramente cantadas

dessa forma! Percebe-se, assim, a importância da música para os judeus hassídicos. Está presente a noção

lentamente emergir das profundezas mundanas e procurar a transcendência (Avenary 1964).

à esfera de Deus, estando presente a conceção de fluxo. O movimento oscilante entre a materialidade e a

transcendência, bem como os saltos surpreendentes como se o espírito saísse de um abismo, são

representados na música (Seroussi 2017).

Os diferentes nigunin utilizam-se de técnicas que visam favorecer a ascensão da existência para a

reuniões hassídicas. O 'nigun' não pretende seguir cânones artísticos, mas apenas pela participação e

envolvimento dos membros é possível ocorrer o movimento interno, existindo um apelo à espontaneidade

“Silêncio é melhor que palavras, mas cantar é melhor que silêncio.” [tradução livre]

devocional (Avenary 1964).

O modo sinagogal Ahavah Rabbah Shteiger, que significa “Modo do Grande Amor de Deus”, é utilizado nesse

género musical (Figura 1). O nigun hassídico emprega um aumento gradual de altura na repetição obstinada

do tema (motivos curtos), bem como mudanças abruptas ou aceleração contínua do tempo, e introdução de

intervalos incomuns. As sílabas gaguejantes são interrompidas por exclamações de alegria ou pesar –

características muito comuns na música tradicional klezmer. Utilizam-se ritmos tensos e sincopados, sendo

os movimentos ritualizados fazem parte da cultura asquenaze (a qual os hassídicos, de modo geral,

pertencem enquanto filiação ou região de nascimento). Assim como o idioma próprio, os falantes do ídiche

possuem um vocabulário de gestos inerentes à sua tradição (Gollance 2019).

Bloch concebeu seu Nigun com um referencial de gestos e linguagem dos judeus do leste europeu (os

asquenazes), utilizando-se de géneros musicais e técnicas associadas à tradição hassídica. A opção pelo

violino não se deve ao acaso: da mesma forma que o compositor escolheu o violoncelo para encarnar o

personagem principal de “Schelomo: Rhapsodie Hébraïque for Violoncello and Orchestra”

violino é o personagem em “Baal Shem”, que representa o judeu falante do ídiche. Ao imitar a voz humana,

prática dos hassídicos. O compositor realizou uma extensa pesquisa sobre melodias judaicas, as quais foram

inflexão de um quarto de tom.

O ritmo é um elemento importante na obra de Bloch, desde que o compositor estudou com Émile Jacques-

Dalcroze, que desenvolveu um método de ensino da música baseado em movimentos corporais e gestos,

denominado Euritmia. O compositor demonstra preferência por ritmos agudos e angulares, como o

“lombárdico” e o “snap”, bem como o uso da polirritmia. Neste sentido, desenvolveu uma forma própria de

ritmo, o qual recebeu o nome de Bloch’s rhythm (pode-se observar no primeiro compasso, na Figura 2), os

música. Albrecht (2018) questiona-se sobre quem teria o “direito” ou a “capacidade” de melhor avaliar a

contexto específico e adquirem um significado que emerge dessa interação particular.

obra. Encontram-se as expressões de dinâmica “fieramente” (algo como “orgulhosamente”) e “lamentoso”,

como elementos a serem considerados na interpretação. O gesto interpretativo, devido ao ethos lamentoso

que caracteriza essa seção, requer o uso de glissandos no violino. O movimento de deslizar os dedos entre

as mesmas notas, no violino, tem como finalidade imitar a expressão vocal. A primeira parte inicia-se em Sol

menor, com uma modulação para Sib Maior no compasso 16, servindo como a primeira imagem introdutória

O violino apresenta as primeiras passagens livres em forma de “cadenza” (compasso 14), que fazem salientar

o caráter gestual de alguma liberdade, com o uso de “accelerandos” e “allargandos” indicados pelo

compositor (Figura 3). Além disso, há ocorrência de padrões rítmicos (colcheias, tercinas, semicolcheias) com

Conceito proposto pelo psicólogo James Gibson, segundo o qual o sistema percetual resulta de um

(Figura 7). Predominam os acordes de quatro notas, com a indicação dinâmica de forte, a partir do compasso