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DOI: 10.35699/2317-6377.2022.35058
eISSN 2317-6377
O estudo do choro como ferramenta e estímulo à
aprendizagem musical
Johnson Joanesburg Anchieta Machado
https://orcid.org/0000-0002-3685-9007
Universidade Federal de Goiás, EMAC
johnsonmachado@hotmail.com
Roberto Stepheson Anchiêta Machado
https://orcid.org/0000-0001-5129-2021
Colégio Pedro II, Departamento de Educação Musical
robertostepheson@gmail.com
SCIENTIFIC ARTICLE
Submitted date: 05 jul 2021
Final approval date: 01 nov 2021
Resumo: Este artigo pretende discutir e trazer à reflexão o papel do gênero Choro na formação do músico
instrumentista. Buscou-se fomentar elementos norteadores para linhas de atuações no cenário pedagógico-musical,
subsidiadas pela caracterização do Choro no estudo do instrumento musical, sobretudo na performance musical e,
dentro dela, a improvisação. Ressalta-se, ainda, que o gênero em questão é bastante difundido no meio musical, em
que seus preceitos composicionais têm sido utilizados na formação do jovem músico aprendiz. O tema mostra outro
aspecto do ensino musical: a inserção dessa música brasileira, de cunho popular, nas diretrizes acadêmicas escolares,
buscando evidências plausíveis à questão da aprendizagem e do estímulo musicais.
Palavras-chave: Aprendizagem musical; Choro; Improvisação; Música brasileira; Performance musical.
TITLE: THE STUDY OF CHORO AS A TOOL AND STIMULUS FOR MUSICAL LEARNING
Abstract: This article aims both to discuss and bring a reflection about the role of the musical genre Choro in the
formation of the musician. It has sought guiding elements for lines of action in the musical pedagogical scenario,
subsidized by the characterization of Choro in the study of the musical instrument. It is also emphasized that the
gender in question is very widespread in the realm of music in Brazil in which the compositional precepts have been
used in the formation of the Young apprentice musicians. The theme shows another aspect of music education: the
insertion of this popular Brazilian music in school academic guidelines, seeking plausible evidence to the question of
learning and musical stimulation.
Keywords: Music learning; Choro; Improvisation; Brazilian music; Musical performance.
Per Musi, no. 42, General Topics, e224213, 2022
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Machado, Johnson Joanesburg Anchieta; Machado, Roberto Stepheson Anchiêta. 2022. “O estudo do choro como ferramenta e estímulo
à aprendizagem musical” Per Musi no. 42, General Topics: 1-12. e224213. DOI 10.35699/2317-6377.2022.35058
O estudo do choro como ferramenta e estímulo à aprendizagem
musical
Johnson Joanesburg Anchieta Machado, Universidade Federal de Goiás, johnsonmachado@hotail.com
Roberto Stepheson Anchiêta Machado, Colégio Pedro II, robertostepheson@gmail.com
1. Introdução
Vivenciamos o ensino de métodos como premissa e suporte à aprendizagem musical. Evidentemente, os
métodos têm seu valor e enfoque pedagógico e artístico. Entretanto, como suporte auxiliar e de estímulo ao
ensino/estudo, o Choro pode se tornar elemento de fomento a novas maneiras de abordagem e de
aprendizagem musical. Este artigo se propõe a refletir sobre a importância do Choro no trabalho pedagógico-
musical, sobretudo na performance musical.
O Choro, e a música brasileira de modo geral, além de nos trazer boas memórias e reconhecimento tácito,
oferece-nos recursos ao estímulo dessa prática e, por que não dizer, embasamento à percepção de múltiplas
sonoridades.
Corroborando essa elucubração, Margarete Arroyo chama atenção para as formas de aprendizagem musicais
que acontecem dentro ou até mesmo fora do ensino formal:
[...] é educação musical o ensino e aprendizagem instrumental e outros focos; é educação
musical o ensino e aprendizagem informal de música. Desse modo, o termo abrange todas
as situações que envolvam ensino e/ou aprendizagem de música, seja no âmbito dos
sistemas escolares e acadêmicos, seja fora deles (Arroyo 2002, 18-19).
Uma infinidade de melodias e harmonias nos norteia e nos leva a ponderar a riqueza propiciada pelo Choro.
Por isso, acreditamos que esse estilo - e genuína música brasileira - pode ser ferramenta de aprendizagem
musical eficaz, pois, além das questões inerentes à estética, à interpretação e de aspectos relacionados à
performance, conta, ainda, com variadas facetas rítmicas, dando ao aprendiz intrínseco campo artístico de
atuação. Sendo assim, ao nos depararmos com o quesito ritmo, encontramos grupos variados e ampliados
(expansões) de aplicabilidades.
Ao estudarmos o Choro, confrontamo-nos com importantes quesitos da música, como a melodia, a harmonia
e o ritmo, sobretudo. Esses elementos, próprios da genialidade musical humana, determinam o campo que,
para este estudo e texto, chamamos de campo consciente, oferecendo suporte tanto para a execução musical
como para o embasamento teórico, ambos relevantes no estudo da música. Campo este, todavia, que advém
de práticas socioculturais, dadas as interações entre os músicos e os contextos nos quais se inserem: novas
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sonoridades harmônicas e contornos melódicos, como os da improvisação, por exemplo, que são
incorporados à medida que se interage com o Choro. Dentro desse universo, o músico se aproxima dos
compositores, de suas estéticas e de suas trajetórias de vida, reforçando, assim, esse arcabouço que lhe
permitirá absorver, compreender e, até mesmo, recriar e transcender esse modus operandi.
Cabe, entretanto, empreender esforços para compreensões que nos levem, gradativamente, à aprendizagem
para, assim, almejarmos a efetiva realização sonora artística, qual seja, a performance. Dessa maneira, cada
elemento musical terá sua específica análise e estudo, almejando-se a compreensão e o domínio aural com
fins à plena realização didático-musical.
2. Caminhos do Choro
A música, em nosso caso particular o Choro, oferece uma gama de movimentos rítmicos. Havemos, pois, de
buscar entender essa parte integrante da obra e, com o mesmo ímpeto, procurar a sua formação e inserção
musical. Aprender essas variações nos capacitará, facilitando nossa compreensão e, por que não dizer, sua
realização. Como ponto de partida, deparamo-nos com as síncopes. São elas, em boa parte, o alicerce rítmico
inerente ao Choro em geral. É peculiar ao Choro a realização composicional e idiomática das síncopes, através
das quais são explorados tanto o rítmico como a sonoridade, uma vez que encontramos a simbiose, qual seja
a combinação ritmo versus sons em suas variadas permutações possíveis. Surge aqui um espelho rico e cheio
de detalhes que permeiam por completo a obra musical, não nos esquecendo da exuberância harmônica
existente.
Definir o Choro não é uma tarefa simples ou das mais fáceis, pois é um campo extenso, dinâmico e de estudo
recente, ainda em evolução no meio acadêmico. Por ser muitas vezes um trato oral da cultura brasileira,
sobretudo entre os músicos, a documentação e o estudo empírico ainda estão em construção, deixando aos
pesquisadores históricos a incumbência de lançar pressupostos à sua existência. André Diniz discorre a
respeito da origem da palavra Choro:
Assim como outros gêneros musicais, o choro sofre com as infinitas discussões a respeito
da gênese do seu nome. Das várias versões existentes a mais verossímil é a que diz que o
termo “choro” surgiu da “colisão cultural” entre “choro” do verbo “chorar” e chorus, que
significa “coro” em latim. No início a palavra designava o conjunto musical e as festas onde
esses conjuntos se apresentavam; mas na década de 1910 já se usava o termo para
denominar um gênero consolidado (Diniz 2003, 13).
Já para o cavaquinista, pesquisador e professor Henrique Cazes, o Choro passou pelo seguinte ponto
histórico:
Mais tarde a palavra Choro apareceu com diferentes significados: o grupo de chorões, a
festa onde se tocava Choro e, somente na década de 1910, pelas mãos geniais de
Pixinguinha, Choro passou a significar também um gênero musical de forma definida (Cazes
2010, 17).
Considerado um dos pilares do Choro, Pixinguinha atuou de tal forma que podemos afirmar que tenha
sedimentado esse gênero no Brasil. É dele uma infinidade de temas cuja diversidade musical e técnica
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sempre foram e continuam sendo exploradas pelos Chorões. São músicas esplendorosas e inesquecíveis,
escritas com maestria. De acordo com Virgínia Bessa:
[...] na virada do século XIX para o XX, divulgou e sistematizou a linguagem do choro – termo
que, nesse primeiro momento, designava um modo de execução de gêneros dançantes,
tocados em festas de caráter comunitário (casamento, batizados, aniversários, funerais),
quando não mesmo familiar (Bessa 2010, 46).
A autora continua o texto afirmando que:
Reunindo músicos profissionais, que sabiam ler partituras, e diletantes, que tocavam “de
ouvido”, as primeiras rodas de choro agrupavam instrumentos “arrebanhados mais ou
menos sem discriminação”, “sem intenção sinfônica nenhuma”. Com o tempo o conjunto
passou a ser composto por “um ou dois instrumentos solistas acompanhados de outros em
segundo plano meramente rítmico-harmônico” (Bessa 2010, 46).
3. Performace e possibilidades pedagógicas
Frank Kuehn pondera que a performance está ligada “à presença física no palco, ao corpo e à voz, não apenas
com relação a determinadas técnicas de execução no instrumento e sim também como meio e como modo
de interagir com o público espectador” (Kuehn, 2012, online). Nesse sentido, a representação gestual
acontece quando o músico executa uma composição, que se desenvolve através da “representação gestual”
e dos “movimentos biomecânicos com suas técnicas” e aprendizados adquiridos. O autor destaca ainda a
interpretação, que, para ele, diz respeito “à compreensão prévia da obra pelo músico-intérprete”. Dessa
maneira, o processo reprodutivo musical acontece tanto pela interpretação como pela performance, de
forma que os “conceitos de reprodução, de interpretação e de performance se acham integrados num
trinômio, podendo servir de base para uma grande gama de pesquisas e de considerações teóricas acerca da
prática musical” (Kuehn, 2012, online).
Para que consiga atingir satisfatoriamente a performance, compete ao músico traçar estratégias e planos de
estudo que visem alcançar, da melhor forma possível, bons resultados na execução e na interpretação.
Munidos de métodos, livros, CDs, DVDs e outros materiais, os músicos se debruçam em seus instrumentos,
buscando alcançar o êxito instrumental na narrativa de que o estilo abordado soe adequadamente. Tais
referências denotam controle e experiência que, ao longo do tempo, moldam a perspicácia artístico-motora.
No campo da preparação, podemos citar o trabalho de John Rink, que diz:
Uma forma para os músicos satisfazerem a ‘sede pelo conhecimento musical’ é aprenderem
mais rigorosamente técnicas não tanto para uma eventual aplicação direta para a
performance, mas sim para assimilarem terminologia e conceitos dos quais aumentem suas
habilidades em articular a eles próprios e aos outros (estudantes, professores e outros)
(Rink 2002, 41, tradução nossa
1
).
1
One way for musicians to satisfy their ‘thirst for musical knowledge’ is to learn more rigorous techniques
not so much for eventual direct application to performance, but in order to assimilate terminology and
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Partindo-se, pois, desse entendimento, adotamos para este estudo o conceito de performance como sendo
a execução musical voltada ao público espectador, fazendo com que o músico interaja, musicalmente, com
esse espectador ou que haja o registro de momentos de execução musical, em gravação de áudio e/ou vídeo.
Alexandre Caldi analisa e chama atenção para a performance e o discurso improvisatório de Pixinguinha, que
se utilizou do saxofone para explorar diálogos musicais com a flauta de seu parceiro musical Benedito
Lacerda, em contrapontos (contracantos) que delineavam com maestria o encadeamento harmônico dos
choros imortalizados por essa dupla, como “Um a zero”, “Urubu malandro” e tantos outros. Antes, nas rodas
e performance de Choro, esse contorno melódico era feito pelo trombone, bombardino, oficleide
2
ou pelo
violão (Magalhães, 2001). No choro atual esse papel é feito principalmente pelo violão de 7 cordas, além de
outros instrumentos melódicos, como o bandolim e a clarineta.
O músico apreciador do Choro encara esse estilo - de vida e de música - como forma de aprendizagem. Fato
é que há entre os professores que são detentores da performance instrumental os que utilizam esse gênero
musical brasileiro como ferramenta de trabalho. Ver exemplo da “Roda de Choro” da Escola de Música da
UFRJ e da Escola de Choro Raphael Rabello, do Clube de Choro de Brasília, dentre tantos outros que se
espalham pelo Brasil. Observemos, no entanto, que esse procedimento metodológico não é o único meio de
apoio. Além do Choro, o trabalho pedagógico-musical é reforçado com os métodos e mecanismos de
aprendizagem rotineiros, consagrados e conhecidos do ensino técnico-instrumental
3
.
Ademais, para o estudo do Choro, ou mesmo de qualquer outro estilo e/ou conteúdo programático, é
necessário se pensar no planejamento e nas melhores estratégias de aprendizagem, como enfoca Susan
Hallam:
Professores podem ajudar no desenvolvimento de estratégias de suporte permitindo
oportunidades para discutir com o aluno questões relacionadas ao planejamento, ao
estabelecimento de objetivos, ao monitoramento do trabalho e administração do tempo,
buscando promover concentração, direcionar a motivação e garantir que o envolvimento
com o trabalho seja ideal (Hallam 2006, 177).
Paralelamente à questão rítmica, temos também a modulação, que é usada largamente nesse tipo de música.
Além de campos harmônicos distintos, próprios do Choro e que destacam as partes (geralmente A, B e C), há
mudanças rápidas em uma ou mais seções da música. Isso invoca amplo conhecimento e versatilidade
instrumental para uma boa performance. É nesse ínterim que o aprendiz é levado, no devido tempo, ao
aprimoramento artístico e domínio técnico.
Cada vez mais professores lançam mão desse empreendimento musical em sala de aula, cujo saber nos
outorga precisão e sabedoria melódica que conduz o aluno à apreciação criativa e à performance musical da
atualidade. Livros de Choros já são editados com detalhes, não somente enaltecendo a obra, mas
incrementando o aparato musical. Esse aparato esmiúça cada premissa musical de forma a ajudar a
concepts which might heighten their ability to articulate to themselves and others (students, teachers, and
so on) what is happening in the music.
2
Instrumentos de sopro da família dos metais, inventado no início do século XIX, que possui bocal e
chaveamento próximo ao do saxofone. Foi utilizado pelos chorões, mas caiu em desuso.
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Como, por exemplo, o método Taffanel, para flauta transversal, e os métodos Klosè, para clarinete e para
saxofone.
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compreensão e a assimilação da obra, levando ao músico amplo conhecimento e fundamentação para a
evolução na performance. Para Ivaldo Lara Filho, Gabriela Silva e Ricardo Freire (2011, 148), tanto no Choro
como em qualquer tipo de música popular, “o estudo da prática da interpretação (performance) torna-se um
desafio para trabalhos de natureza acadêmica, pois inclui uma série de elementos subjetivos e complexos
para serem descritos com precisão” (Lara Filho et al. 2011, 148).
Cabe lembrar que não apenas a beleza artística do Choro é percebida (composição), mas também a presença
notória do músico que, por vezes, em meio às improvisações sonoras, cria ambiente ímpar e espetacular ao
cenário musical da atualidade. Ao nos depararmos com essa experiência musical, percebemos o quanto o
estudo do Choro tem sido profícuo aos músicos, capacitando-os em linhas artísticas que contribuem assaz à
performance, dentro dela a improvisação musical. Esse fato tem levado as escolas de música a terem em seus
currículos o Choro como atividade pedagógica.
Dito isso, compete ao professor elaborar listas de obras que atendam às necessidades e ao bom
desenvolvimento do curso, levando em conta técnicas que efetivamente possam contribuir ao aprendizado
musical. São obras que inspiram e motivam o novato ao alcance instrumental, de forma que, ao término do
curso, seus objetivos acadêmicos e artísticos sejam alcançados com plenitude. Tal fim ressalta os esforços
empreendidos com vistas à técnica mais adequada e à musicalidade de um traçado organizacional
programático de aprendizagem que assegure uma profícua base curricular.
Ressaltamos, entretanto, que esse tipo de procedimento não se encontra somente no Choro, mas também
em qualquer peça musical que atenda a questões técnicas, conceituais e estilísticas, por exemplo. É evidente
que uma seleção mais particular determinará a eficácia do pressuposto requerido. Observar cada ponto
específico da técnica instrumental exige cuidado e preocupação, pois requer uma progressão gradual e
susceptível no estudo, para se buscar, assim, os possíveis resultados. Por exemplo, se o professor pretende
abordar a questão rítmica variada, então trará à tona uma amostragem de obras que atendam a esse quesito.
E, após expostos tais parâmetros no campo teórico e prático, o aluno poderá tratar o assunto com interesse,
devido ao fato de que, com o passar do tempo, aula após aula, obterá sucesso com esse encadeamento
rítmico. É como frisar tão somente o ritmo, embora a música se incumba de outros parâmetros. Em outro
momento será dado enfoque aos outros pontos da obra concomitantemente.
Nesse sentido, algumas composições são mais contundentes em determinada ação musical que outras,
podendo ser no ritmo, na melodia ou ainda na parte harmônica. Daí a importância do estudo baseado em
métodos consistentes, que ofereçam meios para a melhoria do desempenho técnico, bem como do estudo
teórico para reforço da apreciação musical como um todo, dando ampla e total visão da música. Sendo assim,
o jovem músico entenderá a obra dentro de uma concepção maior, numa gama infinita para, à luz da
aprendizagem, exercer o fazer musical com desenvoltura, além de poder suplantar a técnica e passar ao
campo da interpretação nata.
Ao definirmos o estudo do instrumento musical passamos também à apreciação teórica, imprescindível ao
entendimento da estrutura musical e do esboço composicional. Partindo dessa premissa, podemos contar
com trabalhos que delineiam ideias e procedimentos teóricos acerca do assunto, que nos capacitam e fazem
com que compreendamos o âmbito musical e suas peculiaridades. Carlos Almada, no livro “A estrutura do
choro”, aborda assuntos técnicos e teóricos da composição do Choro. Ele afirma que: “No caso do choro, são
especialmente relevantes duas dessas estruturas, o período e a sentença, que resumem a quase totalidade
das possibilidades de construção fraseológica das partes” (Almada 2006, 15).
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Almada vai mais adiante, discutindo e dando informações acerca do assunto. O autor comenta e levanta
“equações musicais” das mais diversas, dando embasamento ao texto e a discussões suscitadas. O livro
destina-se às “aplicações na improvisação e no arranjo” do Choro. Salienta, ainda, que a melodia é suplantada
pelo que chama de fórmulas de inflexões: as melodias deixam de ser tão “ingênuas” e harmonicamente
óbvias e ganham o tempero que faltava para que se transformem em verdadeiras melodias de Choro (Almada
2006, 29).
Compete, então, ao professor relacionar assuntos que reforcem a aprendizagem para cada obra, tratando
com clareza e objetividade os trechos musicais. A questão da articulação é outro exemplo claro. Cada
instrumentista deve ser orientado de como, em determinada passagem, executar adequadamente essa
técnica para alcançar tanto a execução esperada como sua interpretação, de acordo com o estilo
composicional e o gênero, levando em conta, ainda, as peculiaridades do instrumento. O professor pode
separar um método que aborde bem essa questão e, através da apreciação musical, demonstrar sua
habilidade, promovendo, assim, o ambiente necessário para o estudante poder compreender e,
consequentemente, repeti-la adequadamente.
4. Técnicas diversas e improvisação: rumo à liberdade
Outro aspecto musical é o jovem estudante se deparar com desafios, que são corriqueiros no processo
instrucional. Esses desafios, se corretamente estimulados, proporcionam meios de sucesso e motivadores
para que se suplantem as dificuldades e, em consequência, a técnica e a boa sonoridades possam ser
alcançadas. Temos, dentre vários, a respiração circular e o embelezamento musical. O primeiro está voltado
para os instrumentos de sopros, e o segundo, para todos os músicos. Um permite executar, sem interrupção,
a linha melódica ou todo um trecho musical, enquanto o outro já nos leva ao campo da improvisação, uma
“execução livre” que permite aos músicos darem contornos melódicos improvisatórios e por vezes
virtuosísticos à música. Entra aqui a criatividade nata, onde cada intérprete lança mão de várias facetas
técnico-musicais: execuções rápidas, onde se explora concomitantemente a destreza musical invejável e as
interpolações de diversas e variadas composições, propiciando o enriquecimento melódico e estilístico.
Dentre os desafios frequentes, a improvisação é prática comum no Choro, tão preconizada nas apresentações
artísticas, a exemplo do excepcional flautista Altamiro Carrilho, que nos legou uma história musical ímpar e
espetacular na Música Popular Brasileira (MPB), tendo o Choro sua premissa maior. Paula Valente nos
apresenta um pensamento peculiar, quando escreve que: “[...] o músico se torna uma espécie de intérprete-
criador, podendo a cada execução criar algo diferente e particular, unindo sua criatividade a do compositor”
(Valente 2009, 18).
Já o bandolinista e compositor Jacob do Bandolim discorre a respeito da improvisação, oferecendo-nos o
seguinte pensamento:
[…] eu improviso quando interpreto, mas improviso não com o desejo de improvisar, mas
sim, de aumentar a gama, aumentar a faixa do sentimento daquilo […]. Então não é o desejo
de improvisar, de ser original, é de encontrar dentro dessas frases uma riqueza tal que me
dá capacidade, ela que me dá capacidade, essa capacidade não é minha, é que a
composição é tão bem feita, é tão sutil, é tão requintada em todos seus detalhes, que me
dá possibilidades inúmeras […] (Jacob do Bandolim apud Barreto 2006, 26).
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São essas possibilidades sonoras que enaltecem a música em sua concepção construtiva. A improvisação,
aqui, lança mão de inúmeros detalhes de base teórica e que fomentam a música assaz. Seu estudo faz parte
de uma conjectura artística imprescindível à realização musical pautada na coerência e no contorno
melódico, de tal maneira que esses detalhes a complementam, dando vida e robustez à obra. Improvisação
(musical) que se caracteriza como a “criação de uma obra musical [...] à medida que está sendo executada”
(Sadie 1994, 450). Quer dizer, refere-se à espontaneidade e à instantaneidade musical.
Não por acaso, mas pelo planejamento e estudo concreto, a improvisação realça novos horizontes à criação
musical. Eliane Salek apresenta-nos um enfoque próprio à improvisação no Choro, quando diz: “[...]
Diferentemente [do Jazz] o choro, a base sobre a qual se deve improvisar é uma construção rítmico-melódica
complexa, que, portanto, demanda uma improvisação de caráter melódico, a título de realçar e valorizar a
sua natureza, sem descaracterizá-la” (Salek 1999, 24).
Na prática preconizada por Hans-Joachim Koellreutter, a improvisação é um dos fatores de atuação musical
e de musicalização de relevante prática pedagógico-musical, pois se lida com timbres e articulações;
desenvolve-se a inter-relação, o senso crítico, e, por conseguinte, a autocrítica; e conscientiza-se do som e
do silêncio, dentre outras ações. Koellreutter pregava ainda que o professor e o estudante de música
precisam se abrir para universos sonoros novos, o que pode ser trazido pela improvisação (Paz, 2013). Teca
Alencar de Brito relata que a improvisação, para Koellreutter, dava-se como “mola mestra agenciadora, a
um só tempo, de vivências e processos de conscientização de questões musicais e humanas”, e que o
pensamento desse educador contribui para “o redimensionamento das relações que estabelecemos com
sons e músicas, com o sentido que portam, ou poderiam portar” (Brito, 2015, 16). Percebemos, então, que
Koellroeutter considerava a improvisação como uma das ferramentas básicas de seus ensinamentos para o
desenvolvimento da musicalidade, o que resultaria ainda na capacidade técnica do músico de, através da
performance, gerar sentido musical.
Ao improvisar, o músico compõe e realiza a música simultaneamente. Note-se que, considerando essa
simultaneidade, evitamos, na frase anterior, o verbo interpretar, que sugere a recriação de uma obra
consideravelmente pré-definida a cada performance, embora os limites entre improvisação e interpretação
sejam imprecisos. Na improvisação, o modo como o músico toca está imbricado ao fraseado. Enquanto
improvisa, exercita um conjunto de habilidades de diferentes naturezas: técnica instrumental, percepção
musical, memória, senso harmônico-melódico e de estilo, além da expressividade.
Podemos organizar as habilidades supracitadas em dois planos distintos: o primeiro deles diz respeito a
questões técnicas, como conseguir realizar ao instrumento o que se pretende, do modo como se havia
imaginado, com razoável consciência do efeito harmônico e textural que as notas terão no todo. O segundo
plano refere-se a uma dimensão estética, à construção, por meio de imagens sonoras, de um discurso
musical fluente, adequado, expressivo e individual, e que dialogue continuamente com tudo o que acontece
em volta: música, público e ambiente. Da mesma forma, ao estabelecermos os limites da improvisação,
outros caminhos mentais são trilhados, no esforço de conjugar as tarefas de construir um discurso e
obedecer a certos limites, o que é corriqueiro na improvisação jazzística, por exemplo. A depender da
complexidade dos limites estabelecidos, um arcabouço harmônico intrincado, por exemplo, a dificuldade
em improvisar fluentemente pode aumentar exponencialmente, exigindo do improvisador um trabalho
prévio de memorização.
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Mário Sève, em seu livro intitulado “Vocabulário do choro”, aborda o assunto referente à improvisação.
Porém, trata de lidar essa improvisação voltada à linguagem do Choro sem preceitos jazzísticos ou, pelo
menos, denotando tal intenção. Menciona as questões de “divisões rítmicas, acentuações e articulações do
fraseado” relacionando-as às obras de Chorões como prerrogativa à improvisação musical (Sève 1999, 6-7).
Já Carlos Almada discorre sobre esse assunto, enfatizando o seguinte:
[…] a prática da improvisação no Choro tem não só origem e propósitos bem diversos em
relação ao Jazz, como é realizada de maneiras consideravelmente diferentes. Por ora basta
mencionar que a variação melódica, a partir de motivos rítmicos e contornos
característicos, tem na composição improvisada em choros um peso consideravelmente
maior […] (Almada 2006, 4).
Essa preocupação em lidar com a improvisação no Choro tem sido um paradigma que nos leva ao conteúdo
maior, que é a denotação musical própria e brasileira de se fazer Choro, de forma livre e com contornos
melódicos natos. Embora o Jazz tenha obtido forte aparato e divulgação na música mundial, o Choro seguiu
seu caminho sem se desviar, mesmo tendo um ou outro compositor usando traços da linguagem jazzística.
Sendo assim, o Choro passou a se reinventar e a se valer de suas próprias características, ao passo que no
quesito improvisação permaneceu firme e criou sua própria linguagem. Sabemos que alguns Chorões tiveram
em suas músicas e solos a presença marcante do Jazz. Porém, a roda de Choro predominou e nos
proporcionou uma música autêntica, fascinante e, sobretudo, genuinamente brasileira, completamente
diferente do Jazz. Sobre essa questão, o pesquisador Ocelo Mendonça nos diz o seguinte:
[…] O Choro, apesar de ser chamado “o jazz brasileiro” […] e ter se originado na mesma
época que o próprio jazz sob circunstâncias semelhantes, medrou, todavia, em ambiente
cultural inteiramente diverso. O conhecimento deste fato já seria suficiente para
depreender que o conhecimento da improvisação apenas no jazz é incompleto para o bom
desempenho no choro e na música brasileira […] (Mendonça 2006, 98-99).
Improvisar significa realçar a música, reinventá-la com novos contornos melódicos e rítmicos baseados em
linhas melódicas e frases variadas e crescentes. Criam-se, com isso, novidades no discurso musical, onde são
oferecidos sons que abrilhantam tanto a obra como o instrumentista, em níveis mais complexos e
instigantes. Abriga, portanto, uma dimensão técnica que inclui estar sempre consciente do fluxo rítmico-
harmônico e a pressuposição de soluções melódicas a serem realizadas com eficiência, dentro de uma
dimensão estética que reside, entre outros aspectos, numa certa ideia de narrativa capaz de,
dinamicamente, induzir o público a diferentes estados emocionais.
A improvisação é comumente tratada como técnica, como abordagem pedagógico-musical ou ligada à
atuação jazzística (Cooke; Horn,
2002). No nosso entendimento, aproveitando e partindo disso, tratamo-la
também como possibilidade de liberdade fraseológica e de pensamento musical, de conexões melódico-
rítmicas e de fluidez advindas, sobretudo, das experiências pré-existentes dos participantes,
independentemente do nível técnico, que se misturam simétrica e assimetricamente dadas às múltiplas e
inesgotáveis soluções resultantes. Assim, as ideias somam-se e moldam a performance e o resultado é a
música gerada naquele momento e com os músicos e instrumentos dispostos.
Em termos atuais, o Choro, com seus compositores e instrumentistas, vem explorando novas conduções e
novos caminhos harmônicos, a ponto de ser possível exercer improvisos que tencionam fortemente o
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Machado, Johnson Joanesburg Anchieta; Machado, Roberto Stepheson Anchiêta. 2022. “O estudo do choro como ferramenta e estímulo
à aprendizagem musical” Per Musi no. 42, General Topics: 1-12. e224213. DOI 10.35699/2317-6377.2022.35058
fraseado musical, a exemplo do acontecido no período romântico, quando da emancipação da dissonância,
que culminou em obras completamente atonais, levando à ruptura do tonalismo e a novas maneiras de se
fazer e de se entender a música.
Algo a ser considerado é que nas rodas de Choro há um duelo entre os músicos, embate este em que cada
instrumentista apresenta uma variação da melodia ou improviso, travando-se, assim, uma acirrada
competição, como as que acontecem no repente nordestino brasileiro ou nas jam session de jazz. Os músicos
se lançam às mais criativas e inusitadas melodias, com o intuito de se superarem técnica e artisticamente,
no momento musical oferecido. É como uma rixa ou batalha, onde imperam a garra e o impulso sonoro.
É fato que muitos dos músicos passaram a compor Choros. Seus envolvimentos de todo tipo com esse tipo
de música os levaram a compor temas que passaram a fazer parte do cancioneiro nacional. Pixinguinha, Jacob
do Bandolim, Waldir Azevedo, Sivuca, Dominguinhos, dentre tantos, são bons exemplos de músicos-
compositores que nos legaram altiva musicalidade à música e cultura brasileira. Para tal intento, o músico
aprende, interage e cultiva o Choro, de tal sorte que culmina nesse patamar composicional profícuo,
alinhando suas experiências e conhecimentos ao fazer musical performático, de forma prazerosa, atuante e
conectado também à música popular e suas idiossincrasias.
Outro rerso frequente nop Choro é o frulato. Essa técnica, que também se acopla à improvisação e ao ato
criativo do músico de Choro, é encontrada na flauta, na clarineta e no saxofone, por exemplo, onde se realça
a sonoridade trêmula, em passagens das mais diversas. Sua conotação é alegre, engraçada e singular, com a
obtenção de efeitos sonoros, dando brilho e destaque à performance. O frulato faz parte das técnicas
estendidas, tanto preconizadas por compositores como Tchaikovsky, em sua obra “O Quebra Nozes”, como
por Schoenberg, em “Um sobrevivente em Varsóvia”, dentre outros. Entretanto, é no Jazz onde mais
encontramos esse recurso. Por conseguinte, passou a ser utilizado no Choro.
5. Considerações finais
Estudar o Choro, além de ser prazeroso, propicia mecanismos musicais que não só exploram a aprendizagem
de um instrumento como também realçam a beleza e a singularidade dessa música que tanto enaltece a
cultura brasileira. As atuações de grandes mestres nos trouxeram detalhes e riquezas que fazem do Choro
uma arte universal e ímpar. Ela é apreciada não apenas no Brasil, mas em muitos países, contando, inclusive,
com Clubes do Choro nos EUA, na França, na Inglaterra, na Itália e, bem distante, no Japão.
Ademais, debruçar-se sobre um instrumento musical pode ser tarefa árdua, no entanto pode ser também
prazerosa. Por que não? Ao lidarmos com o ensino do instrumento, faz-se necessário enunciarmos meios
que promovam essa aprendizagem de forma eficaz. Contar com bons professores e com metodologias
compatíveis às expectativas, de certo fará a diferença nos resultados. E poder tocar temas brasileiros é
motivo de incentivo e, sobretudo, de contentamento para todos nós: alunos, professores, ouvintes e amantes
do Choro e da música brasileira.
Ao jovem aprendiz são dadas a experiência e a oportunidade devidas para que, no tempo certo, alavanque
as bases dessa premissa musical. Para isso, tanto o envolvimento com o instrumento como a participação
em rodas de Choros são relevantes para o seu crescimento, apuro técnico e profissionalização.
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Machado, Johnson Joanesburg Anchieta; Machado, Roberto Stepheson Anchiêta. 2022. “O estudo do choro como ferramenta e estímulo
à aprendizagem musical” Per Musi no. 42, General Topics: 1-12. e224213. DOI 10.35699/2317-6377.2022.35058
Sem prescindir do ensino tradicional de métodos e de peças, importantes e necessários na aprendizagem e
na sedimentação do músico profissional, o Choro, como procedimento metodológico, pode ser motivador e
proporcionar a execução de técnicas complexas e de expansiva envergadura. Traz o aprendiz ao campo não
só da execução, mas também da interpretação, e vai além: insere o executante ao meio artístico, ao campo
da criatividade, entrelaçando-o à improvisação e a descobertas.
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