eISSN 2317-6377

Desenvolvimento da performance e ensino crossover de canto:

entrevista com a atriz e cantora Bianca Tadini

https://orcid.org/0000-0001-6117-6702

Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes

Resumo: A presente entrevista realizada com a atriz e cantora crossover, Bianca Tadini, revela aspectos acerca de seus

métodos pessoais de estudo, aprendizado e ensino, utilizados com o propósito de cantar repertórios que exigem

consideráveis diferenças de produção vocal, sem, entretanto, reminiscências entre um estilo e outro. As questões

The development of performance and crossover teaching of singing: an interview with the singer and actress Bianca

Tadini

Abstract: The present interview with the actress and crossover singer, Bianca Tadini, reveals aspects about her

personal methods of study, learning, and teaching, considering a variate repertoire. It is a situation that demands

considerable differences in vocal production, without, however, reminiscences between one style and another. The

questions in the interview prioritize the decisions over situations in which the work exigencies were the alternation

between Opera and Musical Theatre. The interviewee, in her opinion, relates which was the elements that facilitated

her learning process, and what else she applies as in her study and the maintainability of her vocal technique as in her

pedagogical approach.

Keywords: Crossover singing; Opera; Musical theatre; Hybrid vocal technique; Vocal pedagogy.

1. Introdução

Neste momento, o setor das artes performáticas e o seu ensino passam por grande transformação no Brasil.

Essa esfera como um todo já passava por uma reinvenção compulsória desde 2019

, sendo severamente

afetada por cortes no orçamento da Lei Rouanet, tendo como principais impactados ramos como Teatro

Musical e Ópera. De acordo com Cardoso et al (2016) apud Prado (2012), na segunda metade da década de

1990, com o advento dos musicais franqueados da Broadway, o Brasil passou a fazer parte do itinerário das

superproduções internacionais, formando um corpo de profissionais especializado, com investimentos

superiores a 60 milhões de reais e geração de 25 mil postos de trabalho, até a data daquela publicação. Em

de seus campos de trabalho. A somatória desses eventos promoveu certa intensificação desta

interseccionalidade, e artistas desta seara passaram a protagonizar consideráveis transformações no modo

em que a Ópera e o Teatro Musical são produzidos, incluindo novas linguagens em shows e produções

audiovisuais. Ademais, a pandemia do novo Coronavírus teve especial impacto nas artes performáticas,

exigindo que diversos artistas passassem por processos de aquisição de novas habilidades como por exemplo

gravação e edição de áudio e vídeo. Artistas acostumados a atuar em palcos para grandes plateias tiveram

de reaprender seu gestual com a atuação direcionada para câmera, e a mobilidade entre gêneros artísticos

tornou-se uma saída para aqueles cujos trabalhos foram cancelados por depender diretamente do contato

com o público.

aproximadamente 70% destes espetáculos dependiam exclusivamente da bilheteria, pois não contavam com

internet com modalidades digitais de todo tipo de espetáculo, ganhando até mesmo versões animadas, com

ensaios a distância e, em muitos casos, gravadas individualmente.

Para além desta conjuntura de exceção da pandemia, é notório que a performance vocal tem ciclos de

mudanças intensas desde os primórdios. A necessidade de alterações técnico-estilísticas na música vocal é

O setor de Teatro Musical por si só possui um hibridismo de estilos desde sua origem, resultando em grande

variedade de estilos musicais e exigências vocais que já estavam presentes no cotidiano desses performers,

desde o aparecimento do gênero, mudando com maior velocidade a partir do surgimento e da aceitação dos

microfones nesse tipo de espetáculo. Originado dos espetáculos de Vaudeville e Operetas, é grande a

diversidade que o gênero abrange. Para atender às mudanças provindas das expectativas do público por

novidades, novos elementos vocais são inseridos frequentemente, atingindo, assim, seu objetivo comercial

(Oliveira 2016).

também demandou a criação de fundos colaborativos, como o Fundo Iasmine para auxílio emergencial de

Técnicos de Teatro Musical, o festival Dreamcast Live, onde os maiores nomes do Teatro Musical do Brasil

se apresentaram de forma digital a fim de arrecadar valores revertidos para artistas que ficaram sem

trabalho, e a Lírica Solidária para cantores de ópera em situação de vulnerabilidade.

Fundo Fundo Iasmine - Criado pelas artistas Myra Ruiz e Fabi Bang, o fundo buscou oferecer um alívio às

famílias de iluminadores, camareiras, peruqueiros, técnicos de som, contrarregras, dentre outros técnicos

do setor. Mais informações sobre este fundo em:

Dreamcast Live - Idealizado pela Lab Cultural de José Toro, o projeto tem parceria com Diego Montez e

Dança e Música de Concerto. Mais informações sobre este fundo em: https://www.liricasolidaria.com.br/

Em função dessa exigência, segundo Spivey e Barton (2018), cantores da Broadway lidam com a pressão de

alto nível, executado em ambas as práticas vocais por um mesmo artista, o grupo de pesquisa “Canto:

interpretação, técnica e pedagogia” do Instituto de Artes da Unicamp coletou dados por meio de uma série de

entrevistas semiestruturadas de acordo com a proposta de Colognese e Melo (1998, 144-145), com cantores

crossovers, considerados experts pelo meio especializado, sobre suas atividades e formações. De acordo

com Bogdan e Biklen (2010), a entrevista permite-nos recolher dados na linguagem do entrevistado, o que

possibilita ao entrevistador intuir acerca do modo com que seu sujeito interpreta o mundo ao seu redor.

A escolha do método ocorreu em função da ponderação sobre o caráter qualitativo da pesquisa e das

subjetividades implícitas, priorizando a interação entre entrevistados e entrevistadores em encontros

síncronos online, realizados com a ferramenta Skype ou Zoom, podendo-se observar gestos, entonações,

entre outros elementos da linguagem não verbal, além de ter como guia um roteiro pré-estabelecido,

contudo, não rígido.

O roteiro prévio foi inspirado em questões contidas no livro Great Singers on Great Singing, de Jerome Hines

(2006), o qual configura uma investigação sobre a construção da vivência musical, formação profissional,

rotina de manutenção diária da técnica e estratégias para situações profissionais de alta exigência técnica.

Com estas questões, buscamos observar elementos da prática deliberada

Tem como principais pesquisadores do tema Karl Ericsson e Neil Chamess, ambos de Florida State University,

Ralf T. Krampe, de KU Leuven, e Jerad H. Moxley, de Weill Cornell Medicine.

Como primeira entrevistada, convidamos Bianca Tadini, uma performer que atua profissionalmente em

frentes distintas da voz: teatro musical em diferentes gêneros - de legit

a high belt

, canto lírico, dublagem

e ensino de canto. Nascida em São Paulo, em 1980, o soprano, ganhadora do prêmio Qualidade Musical no

Brasil por sua performance de Maria, em West Side Story de L. Bernstein, obteve grande sucesso com a crítica

especializada, sendo aclamada e considerada uma artista com grande preparo em todas as áreas necessárias

ao Teatro Musical (atuação, dança e canto), em virtude de seu currículo que inclui papéis de significativa

exigência e versatilidade vocal. É classificada no meio do Teatro Musical como soprano belter

. Seu Fach

no

lhe a aclamação também como versionista, pela criação da versão em português do musical Mudança de

Hábito, agraciada com o prêmio Bibi Ferreira de melhor versão.

No teatro musical, o termo legit refere-se a uma técnica vocal semelhante ao canto clássico feminino e tem

sua produção predominante nos músculos cricotireóideos [sobre os músculos tireoaritenóideos] (Roll 2015).

Tradicionalmente, o belt feminino limitava-se a C5, entretanto, nas produções atuais da Broadway, é

recorrente a exigência de notas até F5 com este tipo de ajuste, sendo estas notas extras chamadas de high

Cantor(a) especializado(a) em cantar em belt, que configura a técnica vocal utilizada para obter uma

sonoridade metálica tradicional em um nicho do gênero Teatro Musical. Segundo Rubim (2019), podemos

definir esta técnica como “[...] um ajuste de fonte e filtro [...]. A laringe sobe, a faringe retesa, o espaço

ariepiglótico é estreitado, o véu palatino é retesado e todo o sistema sofre um tensionamento global. Graças

a esses ajustes, o sistema fonatório produz um som estridente e ao mesmo tempo bem próximo à fala.”

(Fach 2002, s. v., tradução nossa).

Nesta entrevista, Bianca contou como sua musicalidade foi desenvolvida ao longo da infância e adolescência

e também de que modo sua técnica vocal foi construída, privilegiando o hibridismo que lhe permitiu

contemplar papéis em espetáculos que vão da Ópera à estética do belting. A cantora enumerou elementos

pedagógicos facilitadores, utilizados na instituição que frequentou, tendo sido orientada a estudar, de forma

complementar, técnicas nas quais possuía menor fluência. A artista contou que já possuía certo domínio da

técnica do canto lírico e que, por esse motivo, além das aulas de técnica lírica, a academia ofereceu-lhe o

reforço do aprendizado de belting, além das demais sonoridades necessárias ao trabalho de cantriz

fazem despontar também como professora e versionista.

Helen Tormina: Bianca, com que idade você começou a estudar canto?

Bianca Tadini: A minha história com o canto é lá de trás. Eu estudei desde muito cedo. Eu comecei a cantar

B.T.: O American Music and Dramatic Academy, em Nova York.

H.T.: A sua formação musical se deu inteiramente nesse conservatório ou também houve outro lugar?

B.T.: Não. Tudo lá. E lá, eles se formam nisso também. O que acontece? As pessoas acham que fazer musical

é cantar, se mexer e interpretar mais ou menos também. Não. Lá, a formação consiste em aula de canto,

aula de História do teatro, História do teatro musical, aula de dança, balé, [balé]

musical, aula de fonética, tudo junto. É pesado, porque, em dois anos e meio, três anos, você tem uma carga

horária das oito às quatro, e depois você tem ensaio. É muita coisa. Mas é bom porque você também ganha

O texto contido nestes e demais colchetes ao longo das falas da entrevistada são uma complementação

dos autores, para facilitar a compreensão do conteúdo implícito.

Não, às vezes temos dois shows por dia. Então, nesse aspecto, eu achei essa questão do conservatório muito

interessante, porque já te prepara para o que será o trabalho, que será pesado, e raramente estaremos cem

por cento descansados. E tudo bem. Precisamos ter saúde vocal para isso.

Você diria que você se sobressai mais em alguma dessas técnicas?

mim. Mas eu só cantava no coral; eu nunca havia cantado sozinha. E ali, eu descobri, falei: “nossa, olha, eu

tenho voz para cantar sozinha!”, e foi quando comecei a estudar mais. Então, eu tenho uma facilidade para

esse tipo de repertório e uma compreensão muito boa do estilo, de como as coisas eram construídas, por

entender a época, porque eu estudei tudo isso, mas eu acho que é muito bem equilibrado, porque, na real,

Helen, o belt é simples, se você fala no lugar certo, não tem muito erro, porque ele é uma extensão da fala.

Ele é speaking on pitch, como eles falam lá fora. É só isso. É como se você estendesse a sua voz falada um

pouco mais pro grave e um pouco mais pro agudo. Acabou. É apenas isso.

As pessoas ficam tentando inventar a roda em torno do que é o belt. Mas não tem muito o que inventar, ele

só é isso. É você falar on pitch, com ritmo. Então deveria ser natural. É claro que fisiologicamente falando,

temos pessoas que têm um pouco mais de facilidade para isso e outras que têm um pouco menos. Então aí

entram questões de posição de laringe, de como ela é, comprimento, largura e fibra muscular,

principalmente. Normalmente [ensinam-se] as meninas, e eu estou falando de meninas, porque homens são

belters naturalmente, porque eles cantam de voz plena. Eu adoro quando eu escuto um professor falando:

“ah, eu vou te ensinar, vou ensinar o menino a cantar belting”. Não, amor, você não vai, porque ele já canta!

Ele canta de voz plena, o resto ele pode cantar de falsete, alguma voz de cabeça. Agora, os homens são

eu vejo muito é que as meninas que são soprano mais leves, as leggieri, têm mais dificuldade num belting

que é de belt. Eu sempre equilibro. Eu canto uma coisa mais belt, na sequência, vou cantar uma coisa mais

igual com os meus alunos e minhas alunas, principalmente, porque a tendência é: se você ficar muito num

só lugar, principalmente no belt, a tendência é começar a pesar um pouquinho mais, o ar fica um pouquinho

mais preso, porque o fluxo dele não é tão soltinho quanto no erudito e no legit, ele é um pouquinho mais

preso, não é em apneia

o que estamos acostumadas no legit e erudito. É um pouquinho diferente, e existem pequenos ajustes desse

B.T.: Teatro Musical Geral. Vou te explicar: nos Estados Unidos, principalmente as faculdades

e conservatórios focados em Teatro Musical, eles não separam as duas coisas, a voz é tratada como uma

coisa só. E o instrumento do performer de Teatro Musical tem que ser maleável e flexível para cantar as duas

coisas, porque o Teatro Musical é pautado nas duas coisas. No começo, temos as Operetas, Gilbert and

Sullivan, que são o início do Teatro Musical, e tem os reviews e o burlesco, que também são do início, quando

a música é mais voltada para o jazz, o pop da época. Ali nasceu o belt, no burlesco; e o legit nasceu da

voz em duas coisas. É claro que, muitas vezes, eles percebem que você tem uma facilidade maior para uma

coisa ou outra, e você tem um físico melhor para uma coisa ou outra, e aí, talvez, eles te encaminhem mais

para um lado do que o outro. Entretanto, irão trabalhar sua voz como um todo para todos os estilos.

Apneia, segundo o Dicionário Houaiss, trata-se de um substantivo feminino da área da medicina e que

significa a suspensão momentânea da respiração. É comum o uso da expressão cantar em apneia como

Audicionar: neologismo referente ao substantivo audição, no sentido de teste de atuação e canto, utilizado

comumente para seletiva de espetáculos. O termo origina do inglês Au.di.tion /ôˈdiSH(ə)n/, utilizado como

tipo vocal aqui, mas ela precisa trabalhar x, y, z que ajudará”. Aí mandam para o professor que acreditam

que será o certo para você. E esse professor vai decidir o que ele vai trabalhar primeiro. Então, se você já é

uma pessoa que tem facilidade de fazer uma determinada coisa, ele vai trabalhar as outras coisas ao mesmo

tempo. Se o aluno tem uma facilidade tanto no lírico/legit, quanto no belt, mas o ar está preso... foca-se um

pouco mais no lírico para a gente ter esse ar mais solto, para trabalhar um fraseado mais legato. No meu

caso, trabalhei as duas coisas ao mesmo tempo. E ela [minha professora], além das coisas que eu tinha que

fazer para o conservatório, que eram de Teatro Musical, me dava em paralelo árias de ópera para trabalhar

mesmo tempo), ou acredita que alguma coisa, nesse processo, poderia ser diferente?

B.T.: Eu acho que a melhor ordem, principalmente se o seu foco é Teatro Musical, é de tudo um pouco e, ao

mesmo tempo, com algumas ressalvas, prestando atenção em que consistem as dificuldades. Eu acho que

não dá para criar uma fórmula que funcione para todo mundo. Então, por exemplo, se eu tenho uma pessoa

que é mais belter, só que tem a voz muito pesada e o ar é muito preso, eu vou tirar um pouco o foco deste

lado do belting. Não vou deixá-la ficar cantando coisas muito agudas de belt, porque provavelmente ela está

subindo muito com voz de peito, e eu não quero isso. Então eu vou tirar um pouco esse foco, não que eu vá

abandonar, e vou dar um repertório um pouco mais legit, mais agudo, porque eu quero alongar a prega

vocal e soltar o ar. Então eu acredito que o melhor é fazer as duas coisas juntas, com a ressalva de olhar cada

caso e ver o que está acontecendo com aquela voz, se tem alguma coisa importante a ser olhada agora. E se

tiver, terei que focar em algo que vá resolver essa questão em primeiro lugar.

carreira no Teatro Musical? Você acredita que, dessa mesma forma, funciona? Ou você acha que tem que

buscar algum aprendizado específico primeiro?

melhor é: começar com a base lírica, e quando a base estiver pronta, não precisa ser o melhor cantor lírico

substantivo e verbo, que se refere a entrevista para um papel ou trabalho como cantor, ator, dançarino,

músico, consistindo na demonstração prática das habilidades do candidato. (Audition, 2021)