PER MUSI - Revista Acadêmica de Música (ISSN 2317-6377) é um periódico que objetiva publicar artigos científicos em português, inglês e espanhol bem estruturados e fundamentados, que constituam contribuições relevantes para as diversas subáreas da música. Eventualmente, Per Musi publica partituras, resenhas, traduções e entrevistas relacionadas à pesquisa em Música. A submissão de trabalho é contínua ao longo de todo o ano. Autores devem se registrar para acessarem a área de submissão.
Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG)
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A vinculação do Practicum na menção de Educação Musical no curso de Educação Básica
A formação inicial do professor de Educação Musical no Espaço Europeu de Ensino Superior na Espanha retrocedeu em qualidade em relação ao antigo curso de Diplomatura de Professor Especialista. O planejamento universitário das Menções de Educação Musical no curso de Licenciatura em Educação Primária gerou modelos heterogêneos em sua estrutura. Essa diversidade se reflete no Estágio Curricular, no qual algumas universidades o incluem como formação específica e outras não. Dada a importância do Estágio Curricular na formação docente, este estudo analisa quais cursos possuem a disciplina de Estágio vinculada à Menção, realizando um estudo de caso no Estágio da Menção de Música da USC por meio de uma metodologia documental com análise de conteúdo legislativo nacional e local. Os resultados mostram desigualdade nos cursos quanto à sua vinculação com a Menção, evidenciando a necessidade de reformar essa disciplina
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Uma nova narrativa para a prática instrumental
Tradicionalmente, a prática instrumental tem-se centrado na repetição e na otimização técnica, limitando o desenvolvimento da autonomia e a compreensão profunda do repertório. Este artigo propõe uma nova narrativa para a prática instrumental, encarando-a não apenas como uma atividade técnica, mas como um processo auto-regulado, reflexivo e estratégico. Destaca-se a importância da prática consciente, que integra a técnica com a interpretação crítica e a expressão artística, promovendo a autonomia progressiva como objetivo formativo. Para além disso, sublinha-se o papel essencial do professor enquanto mentor reflexivo, facilitando a motivação, o pensamento estratégico e a tomada de decisões conscientes, o que promove uma aprendizagem mais profunda e sustentável. Esta narrativa convida a uma reconsideração da prática instrumental como um processo educativo ativo, em que o aluno faz escolhas, liga a aprendizagem à sua identidade artística e se envolve na sua evolução pessoal e musical.
Esta discussão teórica aprofunda os dados da minha pesquisa de doutorado e introduz novos elementos para refletir sobre o conceito de Salvação Cultural (SC). O texto delineia características centrais da SC identificadas a partir de uma revisão da literatura nas áreas da Educação Musical e das Ciências Sociais. Entre janeiro de 2022 e julho de 2023, realizei trabalho de campo etnográfico no Projeto Social Ilha da Música, localizado na Comunidade África, em Natal, Brasil. Identifico três elementos centrais da SC: o véu metafísico do poder da música, a ordem ritualística e o processo de transformação. Compreender a SC como exercício de poder é essencial para educadores musicais. Essa consciência sustenta uma abordagem crítica e inclusiva da educação musical voltada para crianças e adolescentes em contextos de desigualdade social. O texto conclui levantando questões que buscam reconstruir as práticas musicais no âmbito de projetos sociais, com o objetivo de questionar e superar os fundamentos estruturais da desigualdade presentes na ideia de Salvação Cultural.
O objetivo do estudo é analisar o impacto de um ambiente de aprendizagem digital na motivação, envolvimento e criatividade dos alunos no ensino da música, centrando-se na implementação de ferramentas digitais no ensino da música. A metodologia de investigação inclui um inquérito a 100 professores de música, cinco entrevistas a grupos de discussão e um estudo experimental com 81 alunos divididos em três grupos, utilizando modelos de aprendizagem interactiva, orientada para projectos e mista. Os resultados mostram que a utilização de plataformas digitais aumenta a motivação dos alunos, a competência digital e o desempenho musical
Notas sobre a interpretação de um Larghetto de Handel
O presente artigo discorre sobre a interpretação historicamente informada da música barroca, abordando a execução de movimentos lentos do tipo italiano, que costumeiramente devem ser ornamentados pelo intérprete. Para sustentar seus argumentos, a autora se vale do auxílio de um exemplo prático retirado do repertório flautístico: o Larghetto da Sonata em mi menor para flauta e baixo contínuo, op.1 no 1a, HWV 379, do compositor George Frideric Handel. Para este Larghetto são sugeridas opções de articulação, dinâmicas e andamento, sendo apresentadas justificativas musicais para tais escolhas, embasadas nos tratados da época e em fontes secundárias, usando como inspiração as Sonatas Metódicas de Georg Philipp Telemann. Ao final do artigo, há uma partitura contendo as partes originais de flauta e baixo contínuo do movimento em questão, acrescidas de sugestões de ornamentação e interpretação. Ao cotejar a parte original e a versão proposta, pode-se constatar o resultado prático da discussão teórica proposta pelo artigo.
O presente trabalho é uma tradução para o português brasileiro do artigo de Anette Vande Gorne intitulado “L’interprétation spatiale” publicado na Revue Électronique, Université de Lille-3, França, em 2002. Compositora e professora no Conservatório Real de Música de Mons, Anette é diretora do estúdio Musiques et Recherches (Ohain - Bélgica), e do festival anual “L’Espace du Son” em Bruxelas. Ele se destaca por descrever de forma clara e objetiva a estética envolvida nos processos de espacialização sonora aplicáveis tanto na prática interpretativa ao vivo quanto no processo composicional em estúdio, servindo como importante referência para diversos trabalhos na área.
Análise sobre Phantasiestück III e the storm of the stars will turn to quiet, de Willy Corrêa de Oliveira
Este artigo tem como objetivo analisar as obras Phantasiestück III (1973) e the storm of the stars will turn to quiet (década de 1990), de Willy Corrêa de Oliveira, mediante análise musical e pesquisa documental. O estudo combina exame das partituras com pesquisa bibliográfica sobre intertextualidade (Kristeva, 1966; Klein, 2005; De Bonis, 2015) e polarização harmônica (Costère, 1973), contextualizando-as com uma breve biografia do compositor e sua relação com o pensamento marxista. Em Phantasiestück III, a análise revela o uso de séries derivadas de Schumann e polarizações em ASCH (Lá-Mib-Dó-Si), culminando em citações diretas na Coda, enquanto the storm of the stars will turn to quiet demonstra diálogos intertextuais com Bach, com a poetisa Marina Tsvetaeva (1892-1941) e o filme Leaving Las Vegas (1995). Os resultados evidenciam como a reescrita musical em Oliveira articula vanguarda e tradição, refletindo sua trajetória estética e política.
Esta pesquisa aborda a pedalização do piano como uma ferramenta essencial na interpretação pianística. Seu objetivo é explorar o uso do pedal direito. A técnica do pedal é frequentemente moldada por instruções diretas de um professor particular ou pelas tradições de uma escola nacional de piano. Existem diferenças nos enfoques de pedalização entre diversas escolas pianísticas, métodos de ensino e aplicações individuais do pedal. Metodologicamente, o estudo se insere no campo aplicado da educação pianística, fundamentando-se na experiência pessoal e em uma extensa formação formal. Adota-se um método qualitativo e descritivo para fornecer informações claras e destacar técnicas específicas de pedal. Dessa forma, a pesquisa é estruturada de modo a cumprir o objetivo principal de facilitar e enriquecer a compreensão do pedal entre professores e alunos de piano. Embora inúmeros autores abordem essa temática, a pedalização continua sendo uma área em que as discrepâncias entre escolas e intérpretes são evidentes. Portanto, o propósito desta pesquisa é estabelecer uma ponte entre os métodos e estratégias pedagógicas oriundos das escolas pianísticas orientais e ocidentais. O estudo também investiga os problemas decorrentes da terminologia inconsistente, analisa onde o pedal direito é aplicado e identifica treze tipos de pedais que auxiliam pianistas e professores no aprimoramento da interpretação pianística.
O trabalho aborda o significado da obra para piano “The Anti-Abolitionist Riots in the 1830’s and 1840’s” de Charles Ives. A história intelectual permite analizar sua concepção do mundo junto com as influências compositivas e ideológicas que nutriram suas criações. A tomada de consciência histórica sobre os altercados e os confrontos de rua entre os defensores da escravidão e os abolicionistas feriam a sensibilidade do joven músico, que se viu compelido a evocar estes acontecimentos. O conflito social não somente ainda se encontrava vigente no inicio do século XX, mas había recrusdescido ao som de novas circunstâncias. Conclui-se que a memória dos distúrbios mereceu por parte do artista sua representação estética e que sua capacidade de evocar a sobrevivência do passado dá um sentido pleno à partitura. entido pleno à partitura.
A preparação do cantor para a performance de música brasileira de concerto
O atuar do performer vocal está condicionado aos atributos de respiração, fonação e aparelhos ressoadores, que devem funcionar de forma homogênea e equilibrada, visando a uma interpretação livre de tensões desnecessárias. Esse aparato técnico deve sustentar a emissão chamada de sul fiato – sobre o ar – e, na música brasileira de concerto, temos os problemas adicionais da dicção e fonação provenientes da língua falada e cantada no Brasil. Objetivando sanar eventuais dificuldades relacionadas a essa performance vocal da música brasileira, desenvolvo aqui um estudo teórico que mostra como o estudante de canto lírico e mesmo o profissional da voz podem se valer de técnicas corporais dinâmicas e flexíveis para prover sua interpretação de elementos cênicos que conjuguem, ao mesmo tempo, liberdade e certo grau de improvisação. Os resultados foram que ao integrar corpo, voz e argumentos cênicos o performer poderá aliar música de concerto nacional com uma linguagem corporal específica.
Influência das variáveis sociodemográficas na percepção do clima motivacional dos alunos do Ensino Superior de Música
O ambiente que cerca os alunos é fundamental para seu sucesso acadêmico, tornando-se um fator determinante para seu progresso musical. O objetivo deste estudo foi analisar o clima motivacional percebido (clima do ego e clima da tarefa) de alunos do ensino superior de música, levando em conta variáveis sociodemográficas (gênero, vínculos familiares com a música, país e escola). Os resultados mostram que a percepção do clima do ego não apresenta diferenças significativas em nenhuma das variáveis estudadas. Por outro lado, o clima de tarefa mostra diferenças a favor dos homens e diferenças importantes em termos de país e tipo de centro de estudos, sendo que os alunos que estudam em Portugal apresentam a percepção mais favorável. Destaca-se a importância de gerar contextos educacionais que favoreçam um clima de tarefa de casa positivo, orientado para a realização e o fortalecimento das habilidades dos alunos.
Escalas sem repetição de oitava como uma forma de organização tonal
Embora a maioria das escalas do mundo seja repetida na oitava, o fato é que escalas sem repetição de oitava têm sido empregadas para organizar o conteúdo tonal em diferentes culturas musicais desde a Idade Média até os dias atuais. No entanto, há poucos estudos acadêmicos que tratam do assunto de uma perspectiva global, além da aplicação de determinadas escalas sem repetição de oitavas em contextos musicais específicos. Portanto, a extensão em que essas estruturas serviram para determinar o conteúdo da altura na música não foi até agora amplamente ampliada ou prontamente disponível para pesquisadores e músicos potencialmente interessados no assunto. O presente artigo se baseia em uma variedade de fontes diferentes para apresentar uma visão geral detalhada e estruturada do uso de escalas sem repetição de oitava em uma ampla gama de ambientes musicais, confirmando, assim, a hipótese de que essas estruturas provaram ser uma forma útil e comprovada de organizar o conteúdo de altura na música.
A ‘Acusmaticidade’ da música de piano para a mão esquerda
O presente artigo sustenta a hipótese de a música de piano para a mão esquerda demonstrar características acusmáticas, partindo do conceito de ‘Acusmaticidade’ de Brian Kane (Kane 2014), que estabelece os princípios para a caracterização de diferentes situações acusmáticas por oposição ao estado “estático” de escuta de um som cuja fonte não está visível (Kane 2014). A ilusão da ação de múltiplas mãos – no repertório para a mão esquerda - cria uma fratura no vínculo expectável entre o visual e o auditivo que proporciona uma atitude de escuta particular, normalmente associada à escuta acusmática. Como estudo de caso, será analisada a obra Resignação, melodia para a mão esquerda, op. 39, de José Vianna da Motta. A comparação com o arranjo para piano (duas mãos) e flauta, realizado pelo próprio compositor – Resignação op. 40 -, evidencia o cumprimento das prerrogativas para que se identifique uma situação acusmática em Resignação op. 39.
Produção sonora não convencional no xilofone
Os recursos tímbricos do xilofone têm sido pouco explorados. Apesar dos esforços recentes para promover o xilofone solo, na maioria das composições revistas pelos autores predomina a produção sonora convencional. A primeira autora contribuiu para uma investigação do segundo autor, explorando com ele a produção sonora no xilofone através de investigação baseada na prática orientada para a criação musical erudita. Entrando nos domínios um do outro, os autores acabaram por chegar a gestos instrumentais e composicionais quase certamente inéditos no instrumento até então. Na obra musical, estes são justapostos com gestos convencionais num fluxo composicional variado e predominantemente descontínuo, contrariando a tendência em muitas das composições revistas pelos autores.
Relação de trabalho compositor–performer
Impactos do Modelo Heidelberg de Musicoterapia no tratamento do Zumbido Tonal Crônico
Este estudo teve como objetivo traduzir e avaliar a eficácia do Modelo Heidelberg de Musicoterapia (HNMT) no tratamento de indivíduos com zumbido tonal crônico no Brasil. Trata-se de uma pesquisa quantitativa e exploratória, composta por 10 sessões individuais de musicoterapia ao longo de três meses. O impacto do zumbido foi mensurado por meio do Tinnitus Handicap Inventory (THI) e da Escala Visual Analógica (EVA). A análise estatística foi conduzida utilizando o aplicativo Estimação da trajetória individual, empregando os modelos Harmônico Linear (HLM) e de 4 Parâmetros Logísticos (4PL). Dois participantes completaram o protocolo, apresentando redução do incômodo entre a 3ª e a 7ª sessões. O HLM identificou padrões cíclicos e tendência de declínio nos escores do THI, enquanto o 4PL evidenciou pontos críticos de melhora. Apesar da ausência de alterações na intensidade percebida do zumbido, os achados sugerem que o HNMT favorece a resiliência emocional. Estudos futuros devem considerar amostras ampliadas e acompanhamento psicoterapêutico.
Práticas e estratégias dos/das vachayi va timbira em Maputo (Moçambique) para a manutenção e reinvenção de suas artes musicais
Esta pesquisa reflete sobre as práticas e estratégias aplicadas pelos vachayi va timbira em Maputo, Moçambique, para a reinvenção e manutenção das suas artes musicais. A investigação é alicerçada no Campo Empírico Gestual, Oral e Prático em diálogo com a Musicologia Africana e Etnomusicologia com destaque para Emily Akuno, Kwabena Nketia, Luka Mukhavele, Madimabe Mapaya e Meki Nzewi. A etnografia enquanto base da pesquisa foi materializada pela observação, entrevista, registro fotográfico e pesquisa bibliográfica. Através dessa epistemologia e metodologia se destacam como práticas e estratégias: 1) Reaproveitamento de materiais descartados para instrumentos musicais; 2) Troca de saberes de forma prática e aberta; 3) Treinamento autodidático por meio de experimentos de erros e acertos; 4) Aprendizagem através de observação, audição e repetição; 5) Exploração de artes musicais do sudeste da África; 6) Introdução de instrumentos musicais em diversos espaços; 7) Valorização do trabalho manual; 8) Desenvolvimento de atividades multidisciplinares.
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Panorama dos modos de execução do baião, do maracatu e do frevo na bateria em gravações de Hermeto Pascoal e Egberto Gismonti entre 1965 e 2003
Este artigo traça um amplo panorama dos modos de execução do baião, do maracatu e do frevo na bateria em gravações de Hermeto Pascoal e Egberto Gismonti entre 1965 e 2003. Usando como procedimentos metodológicos a transcrição musical e a análise descritiva, este texto lança luz sobre trechos de performances de relevantes bateristas brasileiros como Airto Moreira, João Palma, Robertinho Silva, Zé Eduardo Nazário, Nenê, Alfredo Dias Gomes e Márcio Bahia. Com relação ao referencial teórico, a pesquisa se apoia no trabalho de Franco Fabbri (1980) sobre gênero musical. O texto conclui que o baião, o maracatu e o frevo na bateria estiveram expressivamente presentes na discografia de Hermeto e Egberto no período estudado, e que a contribuição dos seus bateristas foi fundamental para a consolidação dos modos de execução destes gêneros musicais na música instrumental brasileira.
Contrapontos epistemológicos entre as concepções do conhecimento de arte na BNCC e propostas arte-educativas
O presente artigo, recorte de uma tese de doutorado sobre/de Educação Musical escolar, tem por objetivo analisar criticamente os contrapontos entre abordagens pedagógico-musicais — Triangular, a C(L)A(S)P e o Orff-Schulwerk — e as proposições de um trecho dissertativo da BNCC e do Currículo Paulista para o ensino de Arte no Ensino Fundamental, denominado "Dimensões do Conhecimento" (criação e expressão; estesia e fruição; crítica e reflexão). Nesse sentido, realizamos uma revisão bibliográfica das principais publicações sobre as abordagens arte-educativas mencionadas, a fim de discutir qualitativamente os condicionamentos de currículos oficiais que negligenciam lutas e embates historicamente debatidos por agentes especializados. Concluímos, assim, que propostas arte-educativas amplamente difundidas, como as abordadas em nossa revisão, oferecem concepções que atribuem à Educação Musical escolar características identitárias, (re)significadas e negociadas coletivamente, perpassando a normativa estadual que propõe um ensino ambíguo, sem abranger discussões específicas das linguagens artísticas, e que tende a ser meramente voltado a uma educação estética e individualizada.
Modelos pré-composicionais na música do Mosteiro de São Bento da Avé-Maria do Porto
No âmbito do projeto de pesquisa “AVEMUS: a música em estilo concertante no antigo Real Mosteiro de São-Bento da Avé-Maria do Porto”, do CESEM-UNL, este artigo apresenta os resultados quanti-qualitativos do estudo dos modelos pré-composicionais presentes no escopo específico do repertório selecionado pelo referido projeto, baseados no conceito de modelo pré-composicional e sua metodologia de análise musicológica contextual desenvolvida por mim ao longo do tempo (cf. Sotuyo Blanco 2003; 2004; 2007).
Real Mosteiro de São-Bento da Avé-Maria do Porto
Atualidade dos estudos (auto)biográficos na pesquisa em música
Este artigo tem por objetivo discutir a atualidade dos estudos (auto)biográficos na pesquisa em música, exemplificado com a produção brasileira recente do século XXI e das últimas décadas do século XX. Utiliza como referenciais teóricos autores como Dosse, Lejeune, Levi, Bourdieu, Ginzburg, entre outros, e inclui a produção recente sobre escrita biográfica de Castro e Lira Neto. Voltado para pesquisadores em música, que são tanto leitores como produtores de textos (auto)biográficos, o artigo discute exemplos do mercado editorial, teses e dissertações e autopublicações ou pequenas tiragens. Aborda a relação entre biógrafos e biografados, analisa três características das (auto)biografias e suas implicações éticas e técnicas: tratar de uma pessoa real, utilizar fontes documentais e testemunhais e ser escrita em forma narrativa. Exemplifica tipos de biografias, discute as particularidades da autobiografia e seu uso na pesquisa-formação. Nas considerações finais, afirma a atualidade da temática e sua importância na pesquisa em música.
Sessão Temática Abordagens biográficas na pesquisa em Música
Este artigo debruça-se na análise de teses e dissertações sobre coros infantis realizadas entre 2015 e 2024, com o objetivo de examinar se a infância como marcador social da diferença e as vozes das crianças são abordadas nessas pesquisas. A análise abrange os programas de pós-graduação e linhas de pesquisa, a incidência das publicações ao longo dos anos, as temáticas e o perfil profissional dos autores. Os resultados revelaram a invisibilidade das vozes infantis, priorizando temas relacionados às concepções pedagógicas e à formação técnica dos regentes. Como resultados, destaca-se a necessidade de que mais estudos sobre coros infantis tematizem a infância e contemplem as perspectivas das crianças, reconhecendo-as como informantes centrais na construção de novos olhares sobre a prática coral. Ao adotar essa abordagem, as pesquisas podem promover uma prática musical mais ética, inclusiva e sensível, que respeite e valorize as experiências e contribuições das crianças no ambiente coral.
A linha de baixo nos ritmos do sul do Brasil
Este artigo propõe uma análise das linhas de baixo no gênero da milonga e em ritmos similares, como a chamarra e o chamamé, originários da Argentina e característicos da região sul do Brasil, aplicando-os ao contrabaixo. Considera-se não apenas o aspecto prático para a obtenção de uma sonoridade apropriada, moderna e coesa, mas também o aspecto conceitual por trás desses gêneros, que dialogam com os conceitos de clave e rítmica aditiva. Foi feita uma análise sobre as claves usadas nesses gêneros, que são exatamente as mesmas encontradas em outros estilos como o baião e o carimbó, sugerindo uma possível origem africana comum. Este é um trabalho informado pela prática, onde um dos autores participou como músico convidado em performances com o grupo Quarteto Coração de Potro, grupo especializado no repertório sulino, sediado em Lages-SC. Nesta experiência, foi realizada entrevista com o músico João Gabriel Rosa, e demais membros do grupo, que também compartilharam suas percepções e práticas. Neste artigo estão incluídas transcrições de trechos de obras desse repertório para corroborar as conclusões levantadas.
Potencialidades e desafios dos escritos autobiográficos em Música
O artigo investiga a intersecção entre memória, música e historiografia, utilizando como estudo de caso o Coral Mater Verbi e os escritos autobiográficos do Padre compositor José Maria Wisniewski. O objetivo central é analisar como a prática musical e os documentos pessoais de Wisniewski contribuem para a preservação e transmissão da memória coletiva e individual, tomando como recorte temporal a transição do Movimento Ceciliano para o Concílio Vaticano II. A pesquisa se baseia na análise de crônicas e diários elaborados por Wisniewski, explorando o papel desses textos na manutenção da identidade do coral e na construção de uma memória social. A discussão aborda a função desses registros como agentes de continuidade e ressignificação, considerando o problema do esquecimento. Os resultados obtidos sugerem novas formas de integrar estudos autobiográficos em música e estudos de memória, através da criação de narrativas.
Este artigo discute as perspectivas da pesquisa (auto)biográfica em Educação Musical, destacando seu papel na investigação das memórias, percursos de formação musical e profissional, relações e significações pessoais com a música. Inicialmente, é apresentado um panorama das pesquisas (auto)biográficas a partir de publicações em periódicos da área de Música e das Ciências Humanas. Em seguida, são discutidos alguns estudos desenvolvidos pelo grupo de pesquisa "Música Cultura e Educação" (da Universidade Federal da Paraíba), com foco em suas temáticas e metodologias. É examinada, ainda, a perspectiva da pesquisa (auto)biográfica em estudos de formação pessoal e profissional, assim como o uso de entrevistas narrativas em investigações mais específicas. Por fim, as contribuições e limites das pesquisas (auto)biográficas são analisados criticamente, de modo a propor reflexões que, embora focadas na Educação Musical, podem ser relevantes para outros campos de estudos musicais.
Este artigo explora a interseção entre o jazz e a migração na Espanha através das experiências de vida de quatro cantoras de jazz andaluzas. Foi utilizado um enfoque biográfico para investigar os significados que essas cantoras atribuem à migração com base em suas trajetórias profissionais. O estudo revela o duplo papel da migração como um passo necessário para o desenvolvimento artístico e como um reflexo de dinâmicas culturais mais amplas. Através das narrativas de vida, discutem-se os desafios enfrentados por essas cantoras, destacando o potencial transformador dessas experiências. A pesquisa também envolve debates teóricos sobre a biografia como método, refletindo sobre as particularidades dessa forma de escrita no campo dos estudos musicais. Finalmente, o estudo busca demonstrar como as narrativas biográficas podem proporcionar insights sobre fenômenos sociais mais amplos.
O canto operístico, não amplificado por microfones, implica exigências para que o cantor seja ouvido em decorrência do acompanhamento da orquestra sinfônica. Para tal, este artista pode utilizar o recurso chamado formante do cantor. Foi realizada uma revisão integrativa do formante do cantor nas bases de dados PubMed Central, Scopus e Scielo com foco nos conceitos, nos ajustes fonatórios/ articulatórios e na dimensão perceptivo-auditiva subjacentes ao fenômeno. Identificou-se que os conceitos foram associados ao brilho vocal e ao correlato acústico de maior energia de alta frequência criando um agrupamento do terceiro e do quarto formante. No âmbito articulatório, identificou-se rebaixamento da laringe, alargamento da faringe e aproximação da língua aos dentes incisivos inferiores. O fenômeno estudado é responsável pela audibilidade da voz humana.
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Representações da memória autobiográfica na trilha Sonora do filme Aftersun (2022)
Este artigo se propõe a analisar duas cenas do filme Aftersun (2022), dirigido por Charlotte Wells, para explorar a relação entre memória autobiográfica e mídia, especialmente no que diz respeito ao uso da canção popular e do sound design na trilha sonora do filme. Se, por um lado, o uso de canções consagradas contribui para o acionamento da memória cultural dos espectadores, por outro lado, o uso de efeitos sonoros sobre os fonogramas originais sugere um estranhamento e um distanciamento que ilustram a relação da protagonista com as memórias retratadas e metaforizam o funcionamento do fluxo da memória em si. Para tanto, utilizaremos alguns autores que tratam da memória coletiva (Halbwachs 1990) do relato autobiográfico (Sarlo 2007; Starobinski 1971) e da canção popular como artefato de memória (Frith 2001).
Explorando o engajamento e as experiências de fluxo nas práticas musicais coletivas de músicos amadores, estudantes de música e músicos profissionais
O objetivo desta pesquisa foi explorar o engajamento e as experiências de fluxo em práticas musicais coletivas de músicos amadores, estudantes de música e músicos profissionais. Com base na primeira fase de uma pesquisa de métodos mistos sequencial explanatória, este artigo apresenta os resultados obtidos a partir de um survey on-line com 102 participantes de diversas práticas musicais coletivas. Os resultados obtidos foram analisados utilizando tanto estatísticas descritivas quanto inferenciais. Algumas diferenças estatisticamente significativas foram observadas na interação entre os grupos de participantes (amadores, estudantes e profissionais) e as dimensões de engajamento (comportamental, cognitivo e emocional), conforme relatado nos resultados e discutido a partir da literatura. Em resumo, foi possível explorar e discutir alguns aspectos do engajamento, da motivação e da experiência de fluxo com base nas respostas dos participantes sobre suas práticas musicais coletivas.
O objetivo deste estudo é explorar quais aspectos das atividades da abordagem Empowering Song têm sido utilizados no processo de ensino e aprendizagem de música para pessoas marginalizadas e como essas atividades podem afetá-las, fazendo com que modifiquem atitudes, as ajudem a compreender a si mesmas, aos outros, e como isso pode ajudar a construir a comunidade. Os métodos empregados foram pesquisa bibliográfica, questionário, entrevista semiestruturada e observação em reuniões do projeto Race, Prison, Justice, Arts, do coral Voices21C e do curso Empowering Song: music with body, mind and heart. O resultado da análise dos dados obtidos foi a organização das atividades em quatro categorias: aspectos músico-educacionais, filosóficos, psicológicos e sociológicos. A conclusão foi que a abordagem do Empowering Song impacta profundamente as pessoas marginalizadas por meio de sua interdisciplinaridade, funcionando como meio de justiça social, permitindo que elas se encontrem como artistas e se expressem por meio da arte.
Este artigo investiga as técnicas e procedimentos utilizados pelos regentes de coros amadores no aprendizado de suas partituras. Uma metodologia mista permite uma abordagem dupla: por um lado, analisamos as técnicas recomendadas na bibliografia de três manuais de aprendizado de partituras. Por outro, foram realizadas cinco entrevistas semiestruturadas com cinco regentes mulheres de Valência (Espanha), todas com mais de seis anos de experiência. Os resultados evidenciam diferenças notáveis entre as recomendações teóricas e a prática (no caso das cinco entrevistadas). Concluímos que a teoria não cobre as necessidades dos regentes de coros amadores. Um índice de técnicas e procedimentos é oferecido para atender às necessidades do setor, tanto teórica quanto praticamente.