PER MUSI - Revista Acadêmica de Música (ISSN 2317-6377) é um periódico que objetiva publicar artigos científicos em português, inglês e espanhol bem estruturados e fundamentados, que constituam contribuições relevantes para as diversas subáreas da música. Eventualmente, Per Musi publica partituras, resenhas, traduções e entrevistas relacionadas à pesquisa em Música. A submissão de trabalho é contínua ao longo de todo o ano. Autores devem se registrar para acessarem a área de submissão.
Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG)
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Educação musical para futuros professores
Este artigo examina o papel do portfólio digital como ferramenta de reflexão, promovendo a arte visual e comunicativa no estudo da didática da música para futuros professores. Ao final do ano letivo, os estudantes apresentam seus portfólios, que incluem reflexões e representações gráficas. O estudo analisa os portfólios de 90 alunos matriculados no curso de Licenciatura em Educação Infantil da Universidade de Barcelona. Os resultados destacam o uso de recursos gráficos como meio de comunicação, apoiando os processos de ensino e aprendizagem na educação musical. Diversos tipos de recursos visuais são empregados, e a arte contribui para o desenvolvimento pessoal e profissional dos estudantes. Concluímos que os métodos baseados nas artes constituem uma poderosa ferramenta de comunicação e, no contexto analisado, promovem o reconhecimento, a reflexão e o desenvolvimento de habilidades cognitivas e linguísticas dos alunos, relacionadas à prática musical e à sua didática.
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Música comunitária e aprendizagem colaborativa
Utilizando um desenho de pesquisa baseado em estudo de caso, enquadrado na etnografia educacional, este estudo examina as práticas de ensino de um grupo de batucada que atua de forma independente em um bairro vulnerável de Santiago do Chile. A partir de marcos conceituais da Música Comunitária e de teorias psicológicas e cognitivas que sustentam a Aprendizagem Colaborativa, explora-se as motivações dos tutores, as estratégias de instrução e os benefícios percebidos pelos participantes. Os resultados indicam que o grupo funciona de maneira autônoma e atua como agente transformador em sua comunidade. Os membros relatam mudanças pessoais significativas decorrentes de sua participação, identificando o grupo como um fator central na formação de sua identidade e no reconhecimento dentro do ambiente social. O estudo conclui com uma reflexão sobre o paradoxo da aprendizagem significativa em processos conduzidos por tutores sem formação musical ou pedagógica formal.
Do “Canto Encasacado” ao canto brasileiro
Este artigo discute a relação entre o Bel Canto e a canção brasileira, destacando tensões e aproximações entre tradição europeia e identidade nacional. Partindo das críticas de Mário de Andrade ao “Canto Encasacado”, analisa-se como a técnica italiana dialoga com aspectos centrais da língua portuguesa, como prosódia e nasalidade. A partir de uma abordagem interdisciplinar que articula musicologia, pedagogia vocal e teoria cultural, com base em autores como Andrade, Santos, Miller, Bloem-Hubatka e Carvalho, o estudo demonstra que o Bel Canto, reinterpretado, pode ser ferramenta de apoio técnico e expressivo no repertório brasileiro. Conclui-se que a integração entre herança europeia e identidade nacional fortalece o canto lírico em português como prática singular, ao mesmo tempo em que amplia suas possibilidades interpretativas e reafirma seu papel como instrumento de afirmação cultural.
Esta publicação traz uma série com 12 temas de Hermeto Pascoal arranjados especialmente para o público infantil. Os temas fazem parte do espetáculo cênico-musical homônimo O Sítio do Vovô Hermeto, que estreou-se em 2023 no SESC Palladium (Belo Horizonte, MG) e vem percorrendo cidades como São Paulo (SP) e Sorocaba (SP). Através de reconstruções e orquestrações originais os arranjos são escritos para trio de percussão e contam com os seguintes temas: Forró Brasil, Música das Nuvens de do Chão, Boiada,O Ovo, Papagaio Alegre, Santo Antônio, Bebê, Entrando pelos Canos, Viva Jackson do Pandeiro, São Jorge, Bem Vinda e Caminho do Sol. Trata-se de uma contribuição inédita para o repertório infantil e repertório percussivo, tendo como referência um ícone da música instrumental.
Seção Temática 'Hermeto Pascoal – 90 anos de Sons'
Este estudo examina a relevância e os benefícios educacionais dos conjuntos de trombone, enfatizando a participação ativa dos alunos. Por meio de uma revisão da literatura especializada, são identificadas as principais abordagens de pesquisa sobre esses conjuntos. Os resultados mostram que, desde a segunda metade do século XX, as principais contribuições provêm de instituições ocidentais de língua inglesa. A pesquisa destaca os benefícios performáticos e psicossociais da participação em conjuntos, como o senso de pertencimento, a interação em grupo e o bem-estar emocional. Na Espanha, os conjuntos de trombone ainda desempenham um papel secundário nos centros de educação musical. Isso representa uma oportunidade para explorar seu potencial e impacto na formação integral dos estudantes de trombone.
Adaptação pedagógica a partir das subdimensões da Inteligência Musical
Este estudo, enquadrado na teoria das inteligências múltiplas de Gardner, aborda a limitada aplicação pedagógica da inteligência musical por meio de uma tipologia funcional que conecta teoria e prática educacional e composicional. Utilizando uma metodologia qualitativa, teórico-analítica e exploratória, a literatura foi revisada em bases de dados indexadas e a experiência docente em composição foi integrada. A análise de conteúdo identificou cinco subdimensões da inteligência musical — melódica, harmônica, rítmica, timbral e morfológica — que descrevem modos específicos de organização da linguagem musical e orientam estratégias didáticas adaptadas a diferentes perfis de aprendizagem. Baseado em fontes neurocientíficas, psicológicas e pedagógicas contemporâneas, o modelo proposto oferece uma estrutura funcional para a compreensão da inteligência musical e para o apoio ao ensino, à avaliação e à criação. Embora forneça ferramentas conceituais úteis, requer validação empírica.
Análise do impacto das técnicas musicoterapêuticas no bem-estar emocional, qualidade de vida e ansiedade dos alunos de um Conservatório Profissional de Música
A ansiedade de palco é um problema prevalente entre os alunos de conservatórios profissionais de música, afetando significativamente seu desempenho e bem-estar emocional. O presente estudo analisa o impacto das técnicas musicoterapêuticas no bem-estar emocional, qualidade de vida e ansiedade de 39 alunos de um Conservatório Profissional de Música por meio de um desenho quase experimental. Os participantes foram distribuídos em um grupo experimental (19 alunos) que recebeu intervenção musicoterapêutica e um grupo controle (20 alunos). As escalas STAI (ansiedade estado-traço), EBS20 (bem-estar subjetivo), KMPAI-E (ansiedade musical) e EVA (percepção subjetiva pós-audição) foram aplicadas antes e depois da intervenção. Os resultados revelaram diferenças estatisticamente significativas na subescala de memória do KMPAI-E (p=0,046) e um efeito de interação significativo na escala EVA (p=0,005), indicando melhorias na percepção subjetiva pós-audição no grupo experimental. A musicoterapia demonstrou ser uma ferramenta complementar eficaz para a melhoria do bem-estar em estudantes de música.
Desafios e soluções no desenvolvimento da banda sonora do curta-metragem Partir
Este artigo examina o processo composicional envolvido na elaboração da banda sonora do curta-metragem “Partir”, apresentado com sua componente visual já finalizada. Explora-se o processo criativo musical e sua interação com outros elementos sonoros, incluindo os efeitos sonoros, o foley e os diálogos. O estudo conclui com reflexões críticas sobre a prática de composição de trilhas musicais e oferece sugestões metodológicas para projetos audiovisuais futuros.
O artigo investiga a relação entre postura corporal e técnica de transição entre cordas no violoncelo, com ênfase nos aspectos ergonômicos e expressivos do gesto musical. Adotando abordagem qualitativa, exploratória e descritiva, combina revisão bibliográfica e a experiência dos autores. A revisão abrange tratados, manuais e artigos sobre saúde do músico, postura e sua influência na sonoridade e fluidez, destacando autores como Maurice Eisenberg, Paul Tortelier e Gerhard Mantel. As experiências dos autores como violoncelistas orienta a perspectiva da pesquisa, servindo de base para análises de movimentos do tronco e braços, de impactos posturais na técnica de arco e mão esquerda, além de comparação prática entre abordagens da literatura. O estudo identifica convergências e tensões entre teoria e prática, como estratégias para evitar tensões musculares, variações na emissão sonora e implicações interpretativas. Apesar de pautada na vivência individual dos autores, a pesquisa aprofunda o entendimento da ergonomia aplicada ao estudo e à performance, oferecendo subsídios para instrumentistas e pedagogos. Como resultado da investigação, os autores apresentam uma proposta de alternativa técnica que tem por objetivo minimizar os problemas de saúde e aumentar a eficiência e facilidade ao tocar o instrumento.
Design e ergonomia na concepção do baixo elétrico
O estudo investiga os principais fatores a serem considerados na concepção ergonômica do baixo elétrico, destacando a relevância do design na adequação dos instrumentos musicais à diversidade corporal dos usuários. A pesquisa, de caráter teórico e empírico, baseia-se em revisão bibliográfica e questionário online aplicado a baixistas, analisado qualitativamente pela metodologia de Análise de Conteúdo de Laurence Bardin. Os resultados revelam limitações ergonômicas recorrentes nos modelos atuais, especialmente quanto a peso, equilíbrio e ajustes, com impacto mais acentuado entre musicistas do sexo feminino. Conclui-se que a padronização dos instrumentos desconsidera variações antropométricas significativas, reforçando a necessidade de práticas projetuais inclusivas e centradas no usuário. Propõe-se, para estudos futuros, a utilização da abordagem metodológica de Bruno Munari como ferramenta de apoio às etapas de exploração, experimentação e validação de soluções ergonômicas no design de instrumentos musicais.
A vinculação do Practicum na menção de Educação Musical no curso de Educação Básica
A formação inicial do professor de Educação Musical no Espaço Europeu de Ensino Superior na Espanha retrocedeu em qualidade em relação ao antigo curso de Diplomatura de Professor Especialista. O planejamento universitário das Menções de Educação Musical no curso de Licenciatura em Educação Primária gerou modelos heterogêneos em sua estrutura. Essa diversidade se reflete no Estágio Curricular, no qual algumas universidades o incluem como formação específica e outras não. Dada a importância do Estágio Curricular na formação docente, este estudo analisa quais cursos possuem a disciplina de Estágio vinculada à Menção, realizando um estudo de caso no Estágio da Menção de Música da USC por meio de uma metodologia documental com análise de conteúdo legislativo nacional e local. Os resultados mostram desigualdade nos cursos quanto à sua vinculação com a Menção, evidenciando a necessidade de reformar essa disciplina
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Uma nova narrativa para a prática instrumental
Tradicionalmente, a prática instrumental tem-se centrado na repetição e na otimização técnica, limitando o desenvolvimento da autonomia e a compreensão profunda do repertório. Este artigo propõe uma nova narrativa para a prática instrumental, encarando-a não apenas como uma atividade técnica, mas como um processo auto-regulado, reflexivo e estratégico. Destaca-se a importância da prática consciente, que integra a técnica com a interpretação crítica e a expressão artística, promovendo a autonomia progressiva como objetivo formativo. Para além disso, sublinha-se o papel essencial do professor enquanto mentor reflexivo, facilitando a motivação, o pensamento estratégico e a tomada de decisões conscientes, o que promove uma aprendizagem mais profunda e sustentável. Esta narrativa convida a uma reconsideração da prática instrumental como um processo educativo ativo, em que o aluno faz escolhas, liga a aprendizagem à sua identidade artística e se envolve na sua evolução pessoal e musical.
Esta discussão teórica aprofunda os dados da minha pesquisa de doutorado e introduz novos elementos para refletir sobre o conceito de Salvação Cultural (SC). O texto delineia características centrais da SC identificadas a partir de uma revisão da literatura nas áreas da Educação Musical e das Ciências Sociais. Entre janeiro de 2022 e julho de 2023, realizei trabalho de campo etnográfico no Projeto Social Ilha da Música, localizado na Comunidade África, em Natal, Brasil. Identifico três elementos centrais da SC: o véu metafísico do poder da música, a ordem ritualística e o processo de transformação. Compreender a SC como exercício de poder é essencial para educadores musicais. Essa consciência sustenta uma abordagem crítica e inclusiva da educação musical voltada para crianças e adolescentes em contextos de desigualdade social. O texto conclui levantando questões que buscam reconstruir as práticas musicais no âmbito de projetos sociais, com o objetivo de questionar e superar os fundamentos estruturais da desigualdade presentes na ideia de Salvação Cultural.
O objetivo do estudo é analisar o impacto de um ambiente de aprendizagem digital na motivação, envolvimento e criatividade dos alunos no ensino da música, centrando-se na implementação de ferramentas digitais no ensino da música. A metodologia de investigação inclui um inquérito a 100 professores de música, cinco entrevistas a grupos de discussão e um estudo experimental com 81 alunos divididos em três grupos, utilizando modelos de aprendizagem interactiva, orientada para projectos e mista. Os resultados mostram que a utilização de plataformas digitais aumenta a motivação dos alunos, a competência digital e o desempenho musical
O presente trabalho é uma tradução para o português brasileiro do artigo de Anette Vande Gorne intitulado “L’interprétation spatiale” publicado na Revue Électronique, Université de Lille-3, França, em 2002. Compositora e professora no Conservatório Real de Música de Mons, Anette é diretora do estúdio Musiques et Recherches (Ohain - Bélgica), e do festival anual “L’Espace du Son” em Bruxelas. Ele se destaca por descrever de forma clara e objetiva a estética envolvida nos processos de espacialização sonora aplicáveis tanto na prática interpretativa ao vivo quanto no processo composicional em estúdio, servindo como importante referência para diversos trabalhos na área.
Notas sobre a interpretação de um Larghetto de Handel
O presente artigo discorre sobre a interpretação historicamente informada da música barroca, abordando a execução de movimentos lentos do tipo italiano, que costumeiramente devem ser ornamentados pelo intérprete. Para sustentar seus argumentos, a autora se vale do auxílio de um exemplo prático retirado do repertório flautístico: o Larghetto da Sonata em mi menor para flauta e baixo contínuo, op.1 no 1a, HWV 379, do compositor George Frideric Handel. Para este Larghetto são sugeridas opções de articulação, dinâmicas e andamento, sendo apresentadas justificativas musicais para tais escolhas, embasadas nos tratados da época e em fontes secundárias, usando como inspiração as Sonatas Metódicas de Georg Philipp Telemann. Ao final do artigo, há uma partitura contendo as partes originais de flauta e baixo contínuo do movimento em questão, acrescidas de sugestões de ornamentação e interpretação. Ao cotejar a parte original e a versão proposta, pode-se constatar o resultado prático da discussão teórica proposta pelo artigo.
Análise sobre Phantasiestück III e the storm of the stars will turn to quiet, de Willy Corrêa de Oliveira
Este artigo tem como objetivo analisar as obras Phantasiestück III (1973) e the storm of the stars will turn to quiet (década de 1990), de Willy Corrêa de Oliveira, mediante análise musical e pesquisa documental. O estudo combina exame das partituras com pesquisa bibliográfica sobre intertextualidade (Kristeva, 1966; Klein, 2005; De Bonis, 2015) e polarização harmônica (Costère, 1973), contextualizando-as com uma breve biografia do compositor e sua relação com o pensamento marxista. Em Phantasiestück III, a análise revela o uso de séries derivadas de Schumann e polarizações em ASCH (Lá-Mib-Dó-Si), culminando em citações diretas na Coda, enquanto the storm of the stars will turn to quiet demonstra diálogos intertextuais com Bach, com a poetisa Marina Tsvetaeva (1892-1941) e o filme Leaving Las Vegas (1995). Os resultados evidenciam como a reescrita musical em Oliveira articula vanguarda e tradição, refletindo sua trajetória estética e política.
Esta pesquisa aborda a pedalização do piano como uma ferramenta essencial na interpretação pianística. Seu objetivo é explorar o uso do pedal direito. A técnica do pedal é frequentemente moldada por instruções diretas de um professor particular ou pelas tradições de uma escola nacional de piano. Existem diferenças nos enfoques de pedalização entre diversas escolas pianísticas, métodos de ensino e aplicações individuais do pedal. Metodologicamente, o estudo se insere no campo aplicado da educação pianística, fundamentando-se na experiência pessoal e em uma extensa formação formal. Adota-se um método qualitativo e descritivo para fornecer informações claras e destacar técnicas específicas de pedal. Dessa forma, a pesquisa é estruturada de modo a cumprir o objetivo principal de facilitar e enriquecer a compreensão do pedal entre professores e alunos de piano. Embora inúmeros autores abordem essa temática, a pedalização continua sendo uma área em que as discrepâncias entre escolas e intérpretes são evidentes. Portanto, o propósito desta pesquisa é estabelecer uma ponte entre os métodos e estratégias pedagógicas oriundos das escolas pianísticas orientais e ocidentais. O estudo também investiga os problemas decorrentes da terminologia inconsistente, analisa onde o pedal direito é aplicado e identifica treze tipos de pedais que auxiliam pianistas e professores no aprimoramento da interpretação pianística.
A preparação do cantor para a performance de música brasileira de concerto
O atuar do performer vocal está condicionado aos atributos de respiração, fonação e aparelhos ressoadores, que devem funcionar de forma homogênea e equilibrada, visando a uma interpretação livre de tensões desnecessárias. Esse aparato técnico deve sustentar a emissão chamada de sul fiato – sobre o ar – e, na música brasileira de concerto, temos os problemas adicionais da dicção e fonação provenientes da língua falada e cantada no Brasil. Objetivando sanar eventuais dificuldades relacionadas a essa performance vocal da música brasileira, desenvolvo aqui um estudo teórico que mostra como o estudante de canto lírico e mesmo o profissional da voz podem se valer de técnicas corporais dinâmicas e flexíveis para prover sua interpretação de elementos cênicos que conjuguem, ao mesmo tempo, liberdade e certo grau de improvisação. Os resultados foram que ao integrar corpo, voz e argumentos cênicos o performer poderá aliar música de concerto nacional com uma linguagem corporal específica.
O trabalho aborda o significado da obra para piano “The Anti-Abolitionist Riots in the 1830’s and 1840’s” de Charles Ives. A história intelectual permite analizar sua concepção do mundo junto com as influências compositivas e ideológicas que nutriram suas criações. A tomada de consciência histórica sobre os altercados e os confrontos de rua entre os defensores da escravidão e os abolicionistas feriam a sensibilidade do joven músico, que se viu compelido a evocar estes acontecimentos. O conflito social não somente ainda se encontrava vigente no inicio do século XX, mas había recrusdescido ao som de novas circunstâncias. Conclui-se que a memória dos distúrbios mereceu por parte do artista sua representação estética e que sua capacidade de evocar a sobrevivência do passado dá um sentido pleno à partitura. entido pleno à partitura.
Influência das variáveis sociodemográficas na percepção do clima motivacional dos alunos do Ensino Superior de Música
O ambiente que cerca os alunos é fundamental para seu sucesso acadêmico, tornando-se um fator determinante para seu progresso musical. O objetivo deste estudo foi analisar o clima motivacional percebido (clima do ego e clima da tarefa) de alunos do ensino superior de música, levando em conta variáveis sociodemográficas (gênero, vínculos familiares com a música, país e escola). Os resultados mostram que a percepção do clima do ego não apresenta diferenças significativas em nenhuma das variáveis estudadas. Por outro lado, o clima de tarefa mostra diferenças a favor dos homens e diferenças importantes em termos de país e tipo de centro de estudos, sendo que os alunos que estudam em Portugal apresentam a percepção mais favorável. Destaca-se a importância de gerar contextos educacionais que favoreçam um clima de tarefa de casa positivo, orientado para a realização e o fortalecimento das habilidades dos alunos.
Escalas sem repetição de oitava como uma forma de organização tonal
Embora a maioria das escalas do mundo seja repetida na oitava, o fato é que escalas sem repetição de oitava têm sido empregadas para organizar o conteúdo tonal em diferentes culturas musicais desde a Idade Média até os dias atuais. No entanto, há poucos estudos acadêmicos que tratam do assunto de uma perspectiva global, além da aplicação de determinadas escalas sem repetição de oitavas em contextos musicais específicos. Portanto, a extensão em que essas estruturas serviram para determinar o conteúdo da altura na música não foi até agora amplamente ampliada ou prontamente disponível para pesquisadores e músicos potencialmente interessados no assunto. O presente artigo se baseia em uma variedade de fontes diferentes para apresentar uma visão geral detalhada e estruturada do uso de escalas sem repetição de oitava em uma ampla gama de ambientes musicais, confirmando, assim, a hipótese de que essas estruturas provaram ser uma forma útil e comprovada de organizar o conteúdo de altura na música.
A ‘Acusmaticidade’ da música de piano para a mão esquerda
O presente artigo sustenta a hipótese de a música de piano para a mão esquerda demonstrar características acusmáticas, partindo do conceito de ‘Acusmaticidade’ de Brian Kane (Kane 2014), que estabelece os princípios para a caracterização de diferentes situações acusmáticas por oposição ao estado “estático” de escuta de um som cuja fonte não está visível (Kane 2014). A ilusão da ação de múltiplas mãos – no repertório para a mão esquerda - cria uma fratura no vínculo expectável entre o visual e o auditivo que proporciona uma atitude de escuta particular, normalmente associada à escuta acusmática. Como estudo de caso, será analisada a obra Resignação, melodia para a mão esquerda, op. 39, de José Vianna da Motta. A comparação com o arranjo para piano (duas mãos) e flauta, realizado pelo próprio compositor – Resignação op. 40 -, evidencia o cumprimento das prerrogativas para que se identifique uma situação acusmática em Resignação op. 39.
Impacto da diplomacia cultural na génese da pedagogia musical
O presente artigo tem como objetivo analisar o impacto da diplomacia cultural no desenvolvimento da pedagogia musical no contexto das tradições educativas europeias e ucranianas, com ênfase no seu papel nas abordagens modernas do ensino da música. Neste sentido, é feita uma retrospectiva histórica do papel da música na formação da identidade nacional e da imagem internacional da Ucrânia. Além disso, revela-se a ligação da pedagogia musical ucraniana com as tradições folclóricas e o património cultural nacional. Ademais, são identificados os desafios atuais da educação musical na Ucrânia no contexto da globalização e da integração europeia. Os autores realçam a necessidade de preservar as características nacionais da pedagogia musical ucraniana, integrando as melhores práticas europeias para garantir um elevado nível de formação dos futuros músicos e professores. Por fim, esta investigação sublinha o papel da diplomacia cultural na compreensão e inclusão intercultural.
Uma nova perspetiva sobre a nomenclatura das figuras musicais no panorama lusófono e hispano-falante atual
Ao observar sinais de desatualização na nomenclatura tradicional das figuras musicais em português e espanhol, analisamos criticamente os seus nomes, que têm raízes em práticas antigas. Pretendemos, assim, propor uma terminologia mais lógica, inspirando-nos em sistemas utilizados por países como a Alemanha e os Estados Unidos. No ensino da Música, ensina-se a proporcionalidade matemática entre figuras partindo da figura de maior duração, mas as denominações atuais não evidenciam essas relações internas. Esta desconexão obriga os estudantes a um maior esforço cognitivo para decifrar os valores de cada símbolo, o que dificulta o ensino e facilita mal-entendidos. Tal situação ainda não foi suficientemente abordada nos contextos ibérico e latino-americano.
Último retrato é uma canção de câmara composta por Dinorá de Carvalho com texto de Maria Antonia. Apesar de composta em meados da década de 1950, a partitura da canção jamais foi publicada. Somente em 2023 foi possível reunir um conjunto de fontes documentais musicais, incluindo partes instrumentais e uma gravação, possibilitando a realização da edição crítica da peça completa a partir da metodologia do texto base. O objetivo deste trabalho é publicar a partitura da versão para canto e piano de Último Retrato, tornando-a finalmente acessível ao público.
Último retrato, de Dinorá de Carvalho e Maria Antonia
Último retrato é uma canção com música de Dinorá de Carvalho e poesia de Maria Antonia cujas fontes documentais musicais não haviam sido localizadas até 2023. Os objetivos específicos deste artigo são: contextualizar a criação desta canção em suas versões camerística e orquestral; relatar a localização das fontes documentais musicais e o processo de transcrição da partitura manuscrita; comentar a estratégia composicional empregada; e publicar a edição da partitura em sua versão camerística. A metodologia empregada para a análise da criação da canção foi a Análise Documental. A edição crítica da partitura utilizou a metodologia do Texto Base. Como resultado do trabalho, a primeira edição musical completa de Último retrato em suas versões camerística e orquestral foi criada. Espera-se contribuir com a disseminação desta produção artística realizada por autoras ainda pouco estudadas no meio acadêmico brasileiro.
Este artigo analisa as estratégias de pesquisa artística aplicadas em um doutorado focado na interpretação das obras para violino solo de Flausino Valle. A pesquisa estruturou-se em ciclos de coleta de dados, registro em vídeo e diário reflexivo, culminando na proposição da metodologia "Ciclo Artístico Reflexivo de Dupla Checagem" (CARDC). O estudo detalha os nove "critérios/questões/estratégias a serem observados" relacionados a dedilhados, arcadas, dificuldades técnicas, dinâmicas, efeitos onomatopaicos, andamento, gestos, uso de gravação e sonoridades. Através da análise do processo de "fazer-refletindo" e de exemplos específicos dos Prelúdios de Valle, o artigo demonstra como cada critério contribuiu para a construção da interpretação. A pesquisa valida a Prática Artística como Pesquisa (PaR) e enfatiza o papel da autorreflexão e do registro em vídeo no desenvolvimento artístico.
O presente trabalho de investigação, baseado na análise de um conjunto de documentos orais e escritos relacionados com o piano no contexto das instituições de ensino superior em Portugal, procura promover a compreensão, a documentação e a disseminação de contextos, tendências e práticas contemporâneas associadas à pedagogia do Instrumento. Os resultados baseiam-se em entrevistas realizadas com 14 professores que lecionam ou lecionaram em instituições como as Universidades de Aveiro, Minho e Évora, e os Institutos Politécnicos do Porto, Castelo Branco e Lisboa. A análise de conteúdo seguiu o modelo de Bardin (2016), permitindo a identificação de padrões e mudanças de paradigmas nas práticas de ensino/performance ao longo do tempo. Entre as temáticas estão os currículos, as práticas pedagógicas, a democratização do ensino do piano, a validação social da profissão, e, por fim, a investigação científica na vida dos docentes de piano. Tais linhas possibilitaram a construção de diálogos interinstitucionais e intercontinentais fornecendo um sólido corpo estrutural sobre procedimentos, ideologias e práticas associadas ao contexto português.
Instituições musicais de ensino superior
Este texto apresenta a tradução para o inglês do artigo intitulado Notas sobre a interpretação de um Larghetto de Handel, de autoria de Laura Rónai, originalmente publicado na revista Per Musi, Belo Horizonte, v. 42, 2025, e disponível em acesso aberto com o DOI: https://doi.org/10.35699/2317-6377.2025.50959, eISSN 2317-6377. O artigo discute aspectos interpretativos da música barroca com base nos princípios da performance historicamente orientada, tomando como exemplo prático o Larghetto da Sonata em mi menor para flauta e baixo contínuo, HWV 379, de Georg Friedrich Handel. A tradução foi realizada pela própria autora, professora do Instituto Villa-Lobos da Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO), com o objetivo de ampliar o alcance internacional do texto e torná-lo acessível a músicos, pesquisadores e intérpretes que não leem português. A versão em inglês mantém rigorosamente o conteúdo do original, respeitando sua estrutura argumentativa, vocabulário técnico-musical e tom acadêmico, com pequenas adaptações estilísticas pontuais para atender às convenções discursivas da língua inglesa. A escolha de realizar uma tradução autoral permitiu preservar a intenção comunicativa do texto original e assegurar a coerência entre linguagem e conteúdo. A tradução também visa fomentar o diálogo internacional sobre práticas interpretativas barrocas e contribuir para a formação de músicos interessados em ornamentação e estilística histórica.