PÓS: Revista do Programa de Pós-graduação em Artes da EBA/UFMG
A Revista PÓS é um periódico eletrônico Qualis A1 editado pelo Programa de Pós-graduação em Artes da Universidade Federal de Minas Gerais. Criada em 2011, aceita artigos, traduções, ensaios visuais, resenhas, escritos de artista e entrevistas nas seguintes áreas da Arte: Artes Plásticas, Visuais e Interartes; Ensino-aprendizagem em Arte; Artes da Cena; Cinema; Poéticas Digitais e Preservação do Patrimônio Cultural. São aceitos materiais originais de doutores e doutorandos ou de mestres e mestrandos em coautoria com um doutor. A Revista funciona em sistema de publicação continuada, com a avaliação é feita pelo sistema duplo cego. A Revista é de livre acesso para autores e leitores e contém um conselho editorial com grande maioria de membros externos à UFMG, incluindo conselheiros internacionais. O presente trabalho foi realizado com apoio da Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior -Brasil (CAPES) - Código de Financiamento 001 No triênio 2023/2025 a revista contou com o financiamento da FAPEMIG para custeio da diagramação e da revisão dos números publicados.
Autores que publicam nesta revista concordam com os seguintes termos: Autores mantém os direitos autorais e concedem à revista o direito de primeira publicação, com o trabalho simultaneamente licenciado sob a Creative Commons Attribution-NonCommercial 4.0 International License que permite o compartilhamento do trabalho com reconhecimento da autoria e publicação inicial nesta revista. Autores têm autorização para assumir contratos adicionais separadamente, para distribuição não-exclusiva da versão do trabalho publicada nesta revista (ex.: publicar em repositório institucional ou como capítulo de livro), com reconhecimento de autoria e publicação inicial nesta revista. Autores têm permissão e são estimulados a publicar e distribuir seu trabalho online (ex.: em repositórios institucionais ou na sua página pessoal) a qualquer ponto antes ou durante o processo editorial, já que isso pode gerar alterações produtivas, bem como aumentar o impacto e a citação do trabalho publicado É responsabilidade dos autores a obtenção da permissão por escrito para usar em seus artigos materiais protegidos por lei de Direitos Autorais. A Revista PÓS não é responsável por quebras de direitos autorais feitas por seus colaboradores.
Sentimos falta daquela conversa próxima. A conversa que surge depois do abraço apertado, coração a coração, e que assim começa: “você leu o artigo? E o ensaio visual, o escrito de artista?A tradução, leu? A entrevista?”, e logo pegando um café no balcão da cantina, com o sorriso de praxe, puxando a prosa: “o material da revista tá ótimo, abre aí o celular, vou te mostrar” (com entusiasmo). 14 anos da Revista PÓS. O tempo faz lembrar o poeta Mário Quintana, que diz: Adolescente, olha! A vida é nova… A vida é nova e anda nua — vestida apenas com o teu desejo! Mas na conversa próxima, o comentário íntimo é: “penso na guerra, na injustiça, no genocídio. 1925, Alemanha. 2025, Estados Unidos”... (o gole de café ajuda a animar) Para esta nova edição da Revista PÓS, há vida nova, há desejo, mas é impossível não falar também sobre a necropolítica que nos cerca, ataca, com toda a sua engrenagem. Ainda assim, a arte segue sem recuar nos seus vários modos de se fazer sensível, visível e indagadora, fortalecendo e ampliando experiências aesthesicas e estéticas, apresentando posicionamentos à sua maneira. “A vida é nova e anda nua”, disse o poeta. O que poderá nos envolver, nos cobrir, nos pintar, nos mascarar, então? Que desejo nos vestirá, em nossa nudez, e nos impulsionará caminho à frente em meio a cenários tão devastados e corações esmagados? Os artigos desta edição da Revista PÓS trazem propostas distintas para trançarmos os fios e criarmos nossos vestidos. Mostram a arte se fazendo respiro, um modo de (se) reinventar, inovar, expondo também contradições, tensionando o que se apresenta como “verdade” e que, de fato, é subalternização, violência. Os textos aqui presentes trazem intercâmbios entre o local e o global, entre normas e desvios. Com a apresentação dos materiais, unindo-nos em um trabalho conjunto, não pouco árduo, pessoas autoras e equipe de editoria mostram um processo de crescimento e fortalecimento continuado da Revista PÓS. Com esta nova gestão de Editoria-chefe (2025-2027), nos vestimos do desejo das pessoas que nos antecederam nesta atividade, a quem agradecemos, agora bordando e movendo expressivamente outros traços que, embora desafiadores, nos guiam não somente para o que se faz necessário, neste momento, à Revista PÓS, como também nos enlaçam para criar aqui outros sonhos. Manutenção e ampliação de indexações? Sim, pois inserir a Revista PÓS e difundi-la melhor no seu tempo é importante, é reconhecimento de mérito, ou seja, é manutenção e aumento de sua qualidade acadêmico-artística. Com a extinção do Sistema Qualis em outubro de 2024, pela CAPES2, e da classificação de periódicos a partir do Quadriênio 2025-2028, a indexação passou a ser um critério de maior garantia de qualidade e visibilidade para a Revista PÓS. Por outro lado, queremos também zelar pelas nossas singularidades no campo das artes, compreendendo os processos de indexação de modo crítico para a difusão das produções de nossa área. Assim, esta parece ser uma luta bem árdua em nosso campo. E, ainda, para a concretização e manutenção de indexações, lembramos que existe a demanda de recursos financeiros. Internacionalização? Sim, diálogos externos são relevantes, e isso também se relaciona aos processos de indexação, em acordo com políticas internacionais de publicação acadêmica, mas não queremos perder ou inibir nossos pares brasileiros. Ampliar o acesso da Revista PÓS para docentes, pessoas pesquisadoras e estudantes de artes no Ensino Técnico, Médio, Fundamental, Básico, outros? Sim, afinal a arte pode se fortalecer ainda mais nestes contextos por meio da circulação de materiais como os que aqui são apresentados. Defender a área de artes no âmbito das produções e divulgações de pesquisa, ciência, tecnologia, inovação, do ensino universitário, das associações de pesquisa e pós-graduação em artes, e das agências de fomento à pesquisa? Sem dúvida, sempre, ainda que dentro dos propósitos específicos que aqui nos reúne. Sentimos falta daquela conversa próxima. Com Quintana, dizemos: a Revista PÓS segue em frente, como jovem felina, farejando o vento, com curiosidade fascinante e fremente. Aberta a conversações. Você aceita um café, um chá? Uma conversa?
Copyright (c) 2025 Bya Braga, Marcelo Eduardo Rocco de Gasperi, Flávia Virgínia Teixeira https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Linda explora sua prática artística diversificada, incluindo o projeto The Hidden Mother, e outros trabalhos. O objetivo central é examinar como suas obras refletem aspectos técnicos e filosóficos da fotografia. A artista detalha o processo de criação e curadoria para a Bienal de Veneza, a colaboração com Cindy Sherman e as experiências com conservação de imagens. Linda discute seu interesse por práticas fotográficas e experimentais, e destaca a importância de tornar trabalhos pessoais universais e a necessidade de balancear a percepção visual com a narrativa técnica.
Copyright (c) 2025 Monique Burigo Marin https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Tradução do ensaio “Arte e Política” de Vilém Flusser, acompanhada de apresentação e notas de Flávio Américo Tonnetti e Gabriel Souza Figueiredo. O ensaio original explora a relação entre arte e política, partindo da concepção platônica, que as considerava em termos de equivalência, para discutir a subsequente separação e inversão de papéis ocorrida na Modernidade, buscando analisar como a arte – como technē, impulsionada pela tecnologia – assume um papel governamental na sociedade contemporânea. A tradução do original datilografado buscou preservar as idiossincrasias estilísticas de Flusser, conforme detalhado na apresentação que precede o ensaio e nas notas explicativas.
Copyright (c) 2025 Flávio Américo Tonnetti, Gabriel Souza Figueiredo https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Para remontar a narrativa histórica é preciso destruí-la, operar a partir de seus estilhaços, alerta Walter Benjamin. Os trabalhos artísticos aqui analisados armam quebra-cabeças mnemônicos que não sabemos se estão em construção ou em plena ruína, ímpeto entrópico que é, precisamente, o centro nervoso da colagem. Por meio de estudos de caso e da experimentação textual com o glossário, este ensaio crítico busca armar constelações significantes compostas por diferentes materialidades – discursivas, temporais, territoriais, corporais –, apostando na fragmentação. Recorrendo a fontes artísticas e teóricas, de Benjamin ao pós-humanismo e novo materialismo, necropolítica, capitalismo gore, além de uma obra artística de minha autoria, procuro seguir de perto a estratégia benjaminiana para colocar em prática o método da imagem dialética.
Copyright (c) 2025 Luiz Renato Montone Pera https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
A pintura corporal indígena, entre a ecologia e o cosmos e a luta histórica contra o Karõ da aldeia
Este texto propõe dimensionar a luta histórica dos Mebengokré em defesa de seu modo de vida, contra a expansão da territorialização brasileira, no Brasil Central, por meio de várias frentes de povoamento. Num primeiro momento, através de relatos pessoais dos indígenas e de referências etnológicas, procuramos situar os Mebengokré em termos de povoamento histórico nesta região, considerando ainda sua história particular em relação aos demais povos falantes de língua Jê, dos quais são signatários. Em seguida, foram apresentadas as pinturas indígenas por uma perspectiva complexa, que considera, a um só tempo, seus aspectos técnicos, terapêuticos e culturais, tudo isto, no âmbito de uma cosmopolítica que possibilita contemplar a cultura indígena como expressão cultural e artística da sociedade Mebengokré, sendo central na estratégia de produção da pessoa e constituição do modo de vida indígena, tal qual apontam os etnólogos Jê. Finalmente, demonstramos as ameaças do presente ao modo de vida indígena, que são vistas como espécies de fantasmas que assombram e/ou ameaçam a existência e a continuidade do modo de vida Mebengokré.
Copyright (c) 2025 Sandoval Amparo https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Este artigo busca analisar como a exposição Nakoada: estratégias para a arte moderna faz do mote da “vingança” um modo de articular cosmologia indígena e história para combater o modo de agência histórica humana que conduziu o planeta à crise climática e social que é possível nomear “queda do céu” ou Antropoceno. Mais especificamente, interessa compreender como os curadores, Denilson Baniwa e Beatriz Lemos, afirmam uma agência artística pautada por uma atitude de cuidado/cautela que, diferentemente da conduta temporal “atropelada” que orientaria a arte ocidental moderna, busca ocupar o museu para torná-lo um dos territórios capazes de resistir à crescente pressão por aceleração temporal nas sociedades contemporâneas.
Copyright (c) 2025 Everton Moraes https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
A Matéria como Coautora na Produção Artística
Este artigo discute o solo enquanto agente coprodutivo na prática artística e abordagem metodológica, segundo a produção artística de Onya McCausland (1971-) e Daro Montag (1959-). A atuação da matéria contribui, neste contexto, não só para a estética e leitura da obra, como está inseparavelmente relacionada ao conceito a ela subjacente. Opondo-se à conceção da matéria como tabula rasa subordinada à inscrição de propósitos exteriores, ela é aqui vista como variável e repleta de fluxos, resistências e tensões próprias. A produção artística que compõe a obra, é, deste modo, entendida como um processo de corresposta, correspondência e coautoria, entre artista e matéria, ao invés de uma imposição visual e estética pré-definida.
Copyright (c) 2025 Cassandra Pereira, Domingos Loureiro, Teresa Almeida https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Este artigo tem por tema o estudo das cores, com foco nas categorias denominadas cores primárias ou fundamentais presentes nos sistemas cromáticos pigmentares e luminosos, abordados do ponto de vista da ótica, da filosofia, da história da arte pictórica euro-ocidental e das tecnologias de produção de tintas. Ao trazer esses estudos de forma sucinta, deseja-se realizar uma reflexão sobre algumas arbitrariedades categóricas que influenciam ou fundamentam o imaginário, a sensibilidade e a educação sobre as cores, de modo a potencializar outras formas de pensá-las, percebê-las e utilizá-las.
Copyright (c) 2025 Paula Mastroberti https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
O presente texto busca apresentar algumas discussões promovidas pela curadoria da 60ª edição da Bienal de Veneza, articulando algumas obras distribuídas pelo evento, especialmente aquelas dispostas em seus dois ambientes mais conhecidos: os pavilhões do Giardini e os espaços do Arsenale. Partindo do debate crítico realizado em torno do evento, de suas características históricas e da percepção de que a Bienal veneta é um ecossistema global complexo, privilegiamos, neste texto, o manuseio dos discursos primitivistas, tendo em vista a forte presença de artistas “não ocidentais” oriundos das conhecidas “margens” do sistema da arte global.
Copyright (c) 2025 Emerson Dionisio Gomes de Oliveira https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Intersecção entre tradução e performance no conceito haroldiano de transcriação
No presente artigo, investigou-se as relações entre os campos de estudos da performance e da tradução, considerando os conceitos de performance de Erika Fischer-Lichte (2017) e Paul Zumthor (2014), a partir da importância do corpo para a produção e recepção de obras de arte espetaculares ou literárias. Além disso, considerou-se a produção textual de Haroldo de Campos, cujas contribuições levaram a poesia aos museus, em especial por meio de sua transcriação, entendendo a poesia em suas dimensões verbal, visual e sonora. Nesse sentido, tais textos foram investigados com vistas a dar ênfase às relações entre corpo, performance e tradução como um caminho para compreender a dinâmica e a interdisciplinaridade nas artes.
Copyright (c) 2025 Fernanda Goya Setubal, Anderson Bogéa https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Este artigo explora como os artistas latino-americanos contemporâneos Voluspa Jarpa, Doris Salcedo, Alfredo Jaar e Alice Miceli utilizam poéticas da ausência, como silêncio, opacidade e fragmentação, para representar experiências-limite e resistir simbolicamente à violência histórica. Examina-se de que maneira essas práticas artísticas subvertem os regimes hegemônicos de visibilidade e representação, propondo modos alternativos de inscrição da memória. A pesquisa adota uma abordagem qualitativa e crítica, com análise formal e conceitual das obras em diálogo com teorias da arte e da memória. Os resultados indicam que essas práticas funcionam como contra-arquivos, desafiando narrativas hegemônicas. Conclui-se que tais poéticas reconfiguram modos de lembrar, apesar de limitações como o risco de estetização e a recepção institucional.
Copyright (c) 2025 Ramsés Albertoni Barbosa https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Minha fantasma, ou a performance de um corpo ao rés do chão
Este ensaio examina a escrita do texto verbal e visual “Minha Fantasma”, do artista plástico e escritor Nuno Ramos. Feito como um método de operacionalização de uma espécie de luto, tanto a escrita quanto as imagens produzidas no material revelam uma performance que, na tentativa de (an)arquivar o íntimo na materialidade da escrita e salvaguardar a memória, constrói-se em fragmentos que registram não apenas as imagens de um sujeito depressivo, mas também as forças que atravessam o corpo que vive o luto por outro corpo que ainda respira. Dialogando com as teorias de Freud e Barthes, a leitura do texto de Nuno Ramos revela um processo performático de sujeitos que sucumbem à doença, ao tempo e à morte.
Copyright (c) 2025 Gustavo Clevelares https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Gonçalo Mabunda e a estética dos destroços
Este artigo analisa parte da obra do artista moçambicano Gonçalo Mabunda, destacando suas indagações sobre arte, guerra e poder. Com base em estudos documentais, bibliográficos e observações de campo realizadas em duas viagens a Maputo (em 2022 e 2024), o texto problematiza a inserção de Mabunda no circuito global de arte, discutindo a demanda por exotismo e autenticidade impostas à produção de artistas africanos, bem como as estratégias mobilizadas, nesse contexto, para assegurar sustentabilidade financeira e reconhecimento. Apoiando-se nas críticas de Mbembe (2009) e de Hassan e Oguibe (2001) à essencialização de uma suposta autenticidade africana, o artigo recorre a Meigos (2018) e Agamben (2009) para discutir a circulação da obra de Mabunda no mercado de arte em Moçambique.
Copyright (c) 2025 Valdir Pierote Silva, Denise Dias Barros https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Este texto é parte da dissertação intitulada Teoria estética, infância e experiência formativa: por uma educação humanizadora de ensino de arte na educação infantil, vinculada ao Programa de Pós-Graduação em Educação e ao Grupo de Estudos e Pesquisa em Educação, Infância e Teoria Crítica CNPq/UEL. O foco principal é analisar os danos causados pela mercantilização da arte na indústria cultural e explorar como a arte genuína pode ajudar na emancipação dos sentidos. Baseando-se nas obras de Theodor Adorno, o texto defende que a arte é um espaço essencial para a liberdade, resistência e crítica social, permitindo um diálogo profundo sobre a condição humana e as complexidades sociais, longe da alienação promovida pela indústria cultural. O artigo em questão traz os resultados de uma pesquisa qualitativa e bibliográfica sobre o papel e a natureza da arte diante dos ideais iluministas de esclarecimento. Traz para discussão a questão em torno da apropriação capitalista da arte e da função de entretenimento que ela assumiu. O tratamento dessa questão se deu por uma abordagem que caracterizou a sociedade administrada sob a égide da razão instrumental em busca de controle e lucro e, em um segundo momento, pela defesa do papel da arte como lugar de resistência e de criatividade perante a estandardização promovida pela indústria cultural. Esta articulação textual e argumentativa se destaca como essencial para sustentar a tese da arte como emancipação diante da mercantilização a que está submetida. A pesquisa utiliza uma metodologia qualitativa fundamentada em um estudo bibliográfico sobre teoria estética e formação humana, destacando que a arte é central para a liberdade humana, capacitando o indivíduo a desenvolver uma visão crítica da realidade.
Copyright (c) 2025 Elis Karen Rodrigues Onofre Pereira, Eduardo Augusto Farias, Marta Regina Furlan https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Fluxo de criatividade e sustentabilidade
Este artigo examina o projeto Eco Showboat, liderado por Anne Cleary e Denis Connolly na Irlanda (2022-2023), que percorreu vias navegáveis reunindo cientistas, artistas locais e comunidades em torno de desafios ecológicos e climáticos. O estudo analisa criticamente o papel da arte na promoção da consciência ecológica e da ação comunitária. Utilizando uma abordagem qualitativa e interdisciplinar, demonstra como o projeto fomentou o diálogo entre perspectivas artísticas, científicas e locais. Os resultados mostram que esse modelo colaborativo e participativo vai além da mera representação de questões ambientais, contribuindo para definir a “arte ecológica” como prática transformadora e intervencionista com impactos sociais e ambientais concretos. Por fim, o projeto ilustra a arte ecológica como prática viva, capaz de reconectar natureza e cultura e inspirar engajamento comunitário contínuo.
Copyright (c) 2025 Maria Luiza Almeida Cunha de Castro, Rosa De Marco https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Neste artigo analisa-se uma nota de rodapé escrita por Theodor W. Adorno referente às suas percepções à ficção científica. Essa declaração é posta em debate com sua própria teoria estética e com estudiosos e pensadores da arte e da literatura, além de promover atritos em aproximações com a ficção científica, arte e teóricos críticos.
Copyright (c) 2025 Victor Finkler Lachowski https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
A dimensão atemporal da experiência pela arte da dança
O artigo trata da relevância artístico-cultural da escola de dança Studio Anna Pavlova, significativo espaço de formação, prática e fruição da dança de Belo Horizonte, dirigida pelas bailarinas Dulce Beltrão e Sylvia Calvo. Três eixos se estruturam – material, subjetivo e analítico –, entrelaçados pelo entendimento de experiência, percepção e memória, ao dialogar com os autores Le Goff, Benjamin e Larrosa. A análise inédita dos acervos da escola e de artistas entrevistados revela seu pioneirismo e corrobora o registro da memória da arte da dança, abrindo campo para novas pesquisas sobre a dança profissional mineira. Constata-se a potência de um dos principais slogans da escola: “Studio Anna Pavlova, uma escola de dança para a vida inteira”.
Copyright (c) 2025 Tânia Mara Silva Meireles https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
A extensão (curricular) como aprendizagem sobre produção cultural em dança
O presente texto discute a introdução da extensão curricular no Curso de Dança-Licenciatura da Universidade Federal de Santa Maria (UFSM) e como projetos extensionistas podem ser formadores sobre produção cultural. O objetivo é demostrar que os projetos permitiram o aprendizado prático sobre produção cultural, importante na formação de artistasdocentes. Para a escrita deste artigo, utilizou-se a autoetnografia, a partir das anotações do caderno docente, e do diário de campo dos/as estudantes. Conclui-se que a prática de produção de um curso, oficina ou evento de extensão permite a formação empírica nessa área. No entanto, ressalta-se a importância de aprofundamento, com atividades que possibilitem aos/às estudantes também a formação teórica e a formatação de um projeto cultural.
Copyright (c) 2024 NEILA CRISTINA BALDI https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Potencialidades das tecnologias digitais no ensino de Arte
Este estudo qualitativo tem como objetivo investigar a compreensão dos(as) professores(as) acerca das potencialidades do uso de Tecnologias Digitais (TD) no ensino de Arte. O arcabouço teórico é pautado no Conhecimento Tecnológico e Pedagógico do Conteúdo (TPACK). A pesquisa envolveu entrevistas semiestruturadas com docentes da Educação Básica do Paraná. A análise de conteúdo revelou que os participantes reconhecem os benefícios e a relevância das TD para expandir as possibilidades de ensino dos conteúdos de Arte. Além disso, relataram o uso de diversas ferramentas digitais, compartilhando experiências pedagógicas que evidenciam seus conhecimentos conforme o TPACK. Os resultados destacam a importância das TD na prática docente, contribuindo para a inovação e a melhoria do ensino de Arte.
Copyright (c) 2025 Giuliano Alencar Tibúrcio, Fábio Alexandre Borges, Rosefran Adriano Gonçales Cibotto https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Educação Audiovisual no Brasil em tempos de neoprodutivismo e barbárie
Este artigo busca trazer reflexões sobre o lugar do licenciado em Cinema e Audiovisual na Educação Básica brasileira e, portanto, sobre as disputas políticas e curriculares que compõem seu fazer profissional em tempos de neoprodutivismo e barbárie. Para isso, estabelece relações entre Cinema, Audiovisual, Arte e Educação, a partir de um referencial teórico interdisciplinar. O texto inicia discutindo o panorama educacional contemporâneo brasileiro, para, com base na trajetória que a Arte-educação vem construindo nesse cenário, pensar o trabalho que se pode desenvolver com o Audiovisual, em contexto escolar, integrado ao Ensino de Arte, e, assim, contribuir para a formação dos estudantes para o enfrentamento do panorama inicialmente apresentado.
Copyright (c) 2025 Diego da Silva Vargas https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Apreciação crítico-pedagógica da obra “Assentamento”, de Rosana Paulino
O artigo tem como objetivo analisar criticamente a série “Assentamento” de Rosana Paulino, sob a perspectiva do corpo da mulher negra. Utiliza-se uma metodologia qualitativa que envolve a análise crítica detalhada da obra, com foco na desconstrução de representações históricas de violência contra corpos negros. O estudo investiga como “Assentamento” subverte esses relatos, promovendo discussões sobre racismo, identidade e temporalidade. Além disso, relaciona a obra a debates contemporâneos como os estudos decoloniais e a teoria crítica da raça. Conclui-se que essa abordagem pedagógica crítica capacita os estudantes para uma fruição crítica e transformadora das artes visuais, enriquecendo o currículo educacional ao integrar arte, poder e resistência.
Copyright (c) 2025 Camila Cunha, Márcia Almeida https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Oralitura e escrevivência na performance de mulheres negras no Poetry Slam brasileiro
O presente trabalho visa relacionar os conceitos de escrevivência, desenvolvido por Conceição Evaristo, e oralitura, desenvolvido por Leda Maria Martins, para pensar a prática performática realizada por mulheres negras no poetry slam brasileiro. Com base no poema “Nóis é clitóris” (2020), da slammer paulistana Midria, defendemos que no momento da performance do slam são gestadas hoje “oralituras do corpo feminino” de mulheres negras, passando da escrita poética e das narrativas de experiências pessoais atravessadas pela colonialidade de gênero à representação performativa do discurso feminista negro. Através do poema “Nóis é clitóris”, Midria estabelece conexões entre o prazer sexual e a criação, mostrando caminhos de transformação pessoal e social do corpo negro. A autora registra essas narrativas por meio da escrita poética, que são ressignificadas pela oralidade para, assim, serem divulgadas perante a comunidade durante a apresentação. Para compreender a situação de subjugação e opressão que as mulheres vivenciam na América Latina desde a colonização e, também, para tornar visíveis os mecanismos de subversão ao sistema patriarcal atual que nascem de grupos de mulheres feministas, recorreremos aos aportes teóricos da filósofa feminista decolonial María Lugones, em diálogo com pensadoras como Lélia Gonzalez, Patrícia Hill Collins, Catherine Malabou, entre outras.
Copyright (c) 2025 Gisett Elizabeth Lara https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Este texto desenvolve o pareamento entre Viaje de pie en metro de Sol a Lavapiés, de Alberto Greco, e La Destrucción, de Marta Minujín, ambas de 1963. Essas ações marcaram uma rejeição à comercialização da arte e refletiram posturas experimentais e críticas frente à institucionalização das práticas artísticas. Elas podem ser mais bem compreendidas diante da “condição pendular” da arte latino-americana, entre influências internacionais e afirmações locais. Greco e Minujín não apenas dialogaram com as tendências hegemônicas da arte conceitual e informalista, mas as ressignificaram e desenvolveram linguagens próprias alinhadas às questões políticas, culturais e sociais do sul global. Através de diálogos bibliográficos, análise documental, descrição e comparativo entre os trabalhos e seus processos de realização, conclui-se que essas ações foram planejadas, em suas singularidades e convergências, e configuraram marcos fundamentais para o entendimento da arte contemporânea argentina, desafiaram narrativas centradas no norte geopolítico e ampliaram os horizontes da historiografia da arte latino-americana.
Copyright (c) 2025 Rodrigo Hipólito, Angela Grando https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Ao eleger a tesoura e o corte como processos artísticos operatórios, o artigo aproxima e tensiona o fazer das artistas Rebecca Horn, Anna Maria Maiolino e Sanja Ivekovic em suas produções. São elencadas produções em vídeo para se debruçar, Cutting One’s Hair with Two Scissors at Once (1974-1975), X (1974) e Personal Cuts (1982). O corte como gesto artístico acarreta reflexões acerca de questões que permeiam o objeto, a ação e o suporte de reprodução. No texto, tais trabalhos são tomados como referencial para tecer diálogos e óticas que se relacionam ao contexto histórico do início do vídeo como linguagem que acolhe o gênero feminino.
Copyright (c) 2025 Larissa Camnev https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0